¿Por qué Miguel Ángel no quería pintar la Capilla Sixtina?

Andrea Molina. Yo siempre creí que mi maternidad iba a ser neoclásica, o sea, perfecta. ¿Han visto esos cuadros de la Virgen así, con el niño acá? Es más, con una mano, tipo, el niño ni se mueve. La Virgen perfecta, divina, la piel así sedosa. Eso es el neoclásico. Pero mi maternidad es lejos de ser neoclásica. De hecho, mi maternidad es bastante barroca, o sea, movimiento, caos y siempre alguien a punto de caerse. Y barroco es este cuadro de aquí. Caravaggio es el creador del barroco y a mí me encanta este cuadro, porque cuando yo veo a esta Virgen María digo, yo soy de tu equipo. Caravaggio hizo algo increíble, no solo en la historia del arte, sino también en la historia de la fe. Hizo la santidad alcanzable. Entonces, cuando yo veo este cuadro que es súper barroco, yo me identifico porque me imagino la escena así: La Virgen María está haciendo el arroz, pero al mismo tiempo está trapeando y en eso Jesús se despertó. Entonces lo agarra aquí, se le está cayendo el pañal y está a punto de quemar el arroz. Y en eso, din, don. Disculpe, ¿no tiene para el chesco? Y la Virgen sale. Se le está cayendo el niño y dice pérame tantito. Esa soy yo. O sea, yo así vivo. Y cuando yo veo a esta Virgen María digo a ver, si la Virgen María, claro que le batalló, claro que sufrió, claro que se desveló, claro que estaba muerta de sueño, pues entonces significa que quizá voy por buen camino. El arte encuentra la manera de transformarte y de serte de utilidad. Yo creo que el arte te puede servir para muchas cosas. Me puede hacer empática a ciertas situaciones, me puede ayudar para la memoria, me puede dar contexto de incluso mi situación en la sociedad, en mi país, me puede ayudar a no repetir la historia, me puede ayudar a dar adrenalina, a dar emociones, me puede despertar la curiosidad. Y también el arte yo creo que tiene ese poder de hacerte sentir libre, de hacerte sentir unido a alguien que aunque lo separen siglos y siglos de historia, sientas que esa persona se puso en tus zapatos de hacerte más humano. El arte te confronta, el arte te conforta, el arte te cuestiona, el arte te incomoda. O sea el arte de Banksy, por ejemplo, incomoda, sabes, te dice la verdad. Y a veces esa incomodidad te hace reaccionar y cambiar. Yo creo que si tú ves un cuadro y te hizo sentir algo, o te cuestionó algo, o te cambió el parecer y luego tú llegas a tu casa y lo platicas, entonces ya hubo un cambio. Por ejemplo, cuando yo estudiaba a Monet, ya sabes, piensas en Monet y piensas en las nenúfares, ¿sí o no? Piensas en el puente japonés, y ay, Monet, florecitas y colorcitos y el impresionismo, chulísimo. Y siempre en su biografía apareció un cuadro de su esposa en el lecho de muerte, su primera esposa, que se llama Camille, que fallece a los 32 años y el día que muere él la pinta. Yo así un cuadro decía Dios mío, pero ¿por qué?

Andrea Molina. ¿O sea, por qué pintó eso? ¡Qué dolor! ¿Cómo se atrevió a pintar? No sé que él sintió, no sé cómo el arte lo ayudó en ese momento, pero qué crudo, qué crudo pintar a tu esposa recién fallecida. Hasta que un día me tocó estar presente cuando una de mis amigas falleció y me tocó ver cómo el color de su piel cambiaba y ver cómo perdía su temperatura su cuerpo y estaba sentada ahí agarrándole la mano y lo único que podía pensar era en este cuadro de Monet. Y mientras estaba yo allá, yo decía Monet lo sintió igual que yo. Y de alguna manera, aunque estaba yo sola, no me sentí sola, no me sentí sola y me sentí muy acompañada. Y agradecí ese cuadro, ¿sabes? Obviamente no me quitó el dolor, no me quitó el luto. Sabes como la pérdida la tuve que enfrentar, pero en ese momento fue como un bálsamo. La realidad es que la historia del arte me ha acompañado en momentos muy dolorosos, en momentos muy felices, en momentos que me sentía orgullosa de mí misma, en momentos que no sabía por dónde continuar y dije ah, pues mira por aquí, y a mí me encantaría que a ustedes les pase lo mismo, la verdad.

Fernando. Hola Andrea, ¿qué tal? Mucho gusto. Mi nombre es Fernando Sánchez. Yo quería preguntarte, según tu consideración, ¿en qué se debería de fijar una persona para que le apasione una obra de arte?

Andrea Molina. Yo sé que puede ser a veces abrumador llegar a un museo. Llegas a un museo porque dices ay no, pues ya estoy en tal lugar, voy al museo. Es algo como culturalmente correcto, y puede llegar a ser súper abrumador de decir ¿qué veo? Yo no sé nada de historia del arte y de repente hay millones de cuadros colgados preciosamente en el museo, te pueden llegar a intimidar. Entonces lo primero que te diría es suelta esa presión. Para que tú tengas un acercamiento con la historia del arte, no necesitas saber nada. Claro que el conocimiento va a enriquecer tu experiencia, pero no es necesario. Yo si te daría un consejo sería ten curiosidad, y la curiosidad es gratis. Nacimos con la curiosidad. Entonces tú llegas a un museo y date la oportunidad de detenerte frente a una obra de arte, porque oigan, está es la estadística increíble. Uno ya va al museo como scrolleando en las redes sociales, de que swip, swip, swip. De que, este ya lo vi, este ya lo conocía, este no me gusta, este sí me gusta. Y la estadística que nos dio hace poquito el Met de Nueva York es que el promedio de tiempo que pasa una persona frente a un cuadro en ese museo es de 27 segundos. Entonces usted dígame en 27 segundos qué podemos sacar de bueno o qué podemos aprender. A ver, ni siquiera le diste chance a tu curiosidad de hacerte una pregunta. Entonces que tu ida al museo no se convierta una experiencia de TikTok. Llega con curiosidad y escoge un cuadro. O sea, no tienes que acabar todo el museo y todas las salas, escoge un cuadro, empieza a pasear, detente, date la oportunidad de observar y aquel cuadro que llame la atención, ni siquiera tienes que saber cuál es, ni quién es el pintor, ni a qué movimiento pertenece, sino que decir ay mira, tengo este cuadro y hazte una pregunta, haz una pregunta. Por ejemplo, vamos a hacer un ejercicio. ¿Quieren hacer un ejercicio? Vamos a hacer un ejercicio y yo les voy a poner un cuadro aquí, y cuando ustedes lo vean supongo que van a decir ay, pues les va a llamar la atención porque es una escena muy brutal y quizá pues ahorita no sabemos nada del cuadro, quién lo pintó, quién es esa pobre mujer a punto de ser ejecutada, no sabemos nada. Y lo primero que nos llama la atención, obviamente es que hay una mujer vestida de blanco, con los ojos vendados, que está extendiendo las manos de a ver qué hago, porque cuando uno no puede ver, enseguida busca las manos para orientarse. Entonces ella está muy asustada, nos da pena inmediatamente y está tocando de que, ¿y ahora qué hago? En la parte de atrás, empezamos a recorrer el cuadro, en la parte de atrás vemos a dos mujeres, una está desplomada y la otra está volteada de decir, yo esto no lo puedo ver y nos podemos poner en sus zapatos. O sea, si nosotros fuéramos a presenciar la ejecución de alguien, ¿qué haríamos? O sea, ¿nos desmayamos?

Andrea Molina. ¿Gritamos alto, no lo hagan? ¿Dan su lugar por el otro? Es como podemos empatizar rápidamente con estas dos mujeres. Y luego a mí el que más me llama la atención es el hombre que está ayudandola a ella, le detiene el brazo con una amabilidad, con una fragilidad de decir mira, aquí te puedes apoyar, aquí está el banquito donde te puedes apoyar. Él sabe que ella va a morir, todos saben que ella va a morir. El verdugo está ahí nomás esperando que le den la orden y pues la verdad su gesto es como muy resignado, decir, no puedo desobedecer. Y luego empiezas a ver el suelo y ves tanta paja y es cuando captas, claro, la paja es para absorber la sangre. Este es un segundo antes de una cosa totalmente terrible. Todavía no sabemos quién es ella, todavía no sabemos quién la pintó, hace cuánto tiempo sucedió. No sabemos si fue de la vida real o no. Estamos en un museo, no sabemos nada y ya empezamos a sentir. Hay algo que nos incomoda. Hay algo que nos intriga, que nos hace sentir feo, que nos hace sentir pena. Y eso ya es suficiente para que tú, yo te aseguro que el día que llegues a tu casa vas a decir quién es esa mujer de blanco que le iban a cortar la cabeza y ahí quizá puedas aprender. Ahora, se los puedo contar, no tienen que ir a sus casas. ¿Les interesa saber? Pues es una historia pues muy triste. Yo creo que es de los cuadros más terribles de la historia del arte. Y pues toda esta historia empieza con un hombre que se quería divorciar. Él es Enrique VIII. Un día una mujer ahí lo conquistó, que no era su esposa y dijo no, pues yo me quiero divorciar de Catalina Aragón, que era su esposa, para casarse con Ana Bolena, que era la amante, y le escribe al Papa. Ay, señor Papa, por favor, deme su absolución porque este matrimonio no contó, no contó porque seguramente eran primos, como en esa época. Y el Papa le dice pues no te puedo disolver el matrimonio, es un matrimonio con todas las de la ley de la fe y no puedo. Entonces él dice bueno, pues si no lo puedes disolver, creo mi propia fe. Y ahí es cuando crea la Iglesia de Inglaterra, que es la fe anglicana, y pues se casa con Ana Bolena y eventualmente se va a casar con seis mujeres. El problema aquí es quién iba a heredar la corona, porque él designa como su heredero a su hijo Eduardo VI. El pequeño detalle es que Eduardo VI muere cuando es niño. Entonces, en su lugar gobernaba una regencia, que son señores ahí de toda la vida, copetudos que dicen esto sí, esto no. Pero esa regencia no podía gobernar por siempre, porque además ni siquiera les correspondía el título de Rey. Tenía dos hijas, además de Eduardo, que falleció. Tenía a María Tudor, que era la hija de Catalina Aragón, que por derecho le correspondía en la línea de sucesoria. Ella es nieta de los mismísimos Reyes Católicos, así que es profundamente católica. Y luego tenía su otra hija que es Isabel, que es la hija de Ana Bolena, crecida en la fe protestante.

Andrea Molina. ¿Entonces, quién de las dos va a heredar la corona? Todas las demás monarquías de Europa eran católicas y tenían un especial interés en que María Tudor fuera la nueva reina, para regresar el catolicismo a Inglaterra. Sobre todo su primo Carlos V, que era el gran emperador, que bueno, ya tiene hasta su propio chocolate. Total que la regencia dice no, no, no espérense, si gobierna María o gobierna Isabel, nosotros vamos a perder el poder y nadie quería perder el poder en esa regencia. Así que designan a una prima lejana, una pobre niña que no tiene ni vela en el entierro llamada Jane Grey, que es esta pobre niña que está a punto de morir y le dicen aquí está tu corona, tú eres la nueva reina de Inglaterra. Y ella ¿cómo? No sabía nada. Y María Tudor dice oigan, a mí me corresponde el reinado. Y donde va avanzando hacia donde está Jane, todos los pueblos van reconociendo la monarquía de María Tudor. Entonces esta pobre niña fue ejecutada nueve días después del reinado. Esto le mereció a María el título de María la Sangrienta, o sea, Bloody Mary, como el que te tomas con un apio como agitador, ese es el Bloody Mary. Y pues nada, así pasó a la historia, como María la sangrienta. Aunque la estadística cuenta que ella ejecutó, su reinado, ejecutó a muchísimas menos personas que todos los reyes anteriores, incluido su papá. Fin. O sea, de verdad saquen el violín, esto es un cuadro muy trágico. No hay nada sabes como me encantaría decirles, oigan, y a la última hora se arrepintieron y ella fue feliz para siempre. No, este es un cuadro de final infeliz. Y yo sé que ustedes me podrán decir bueno, ajá, Andrea y, ¿cómo esta pintura va a cambiar el mundo? Si es un cuadro de una historia que sucedió hace más de 450 años y que se pintó hace 300 años, o sea, cómo una pintura tan vieja de algo que ok, es un sentimiento que todavía puedo empatizar, pero ¿cómo va a cambiar el mundo? Y yo digo a ver, igual y tú eres una persona que vive, pues no sé, distraído o eres una persona que no lloras con facilidad y quizá esta pintura te conmueve o te hace pensar oigan, en ese entonces estaba normalizado ejecutar gente. ¿Qué mal hemos normalizado hoy por hoy o qué poder tenía en ese entonces la corona, la Iglesia, el pueblo? ¿Qué poder tiene hoy esa gente? ¿Quién tiene el poder? ¿Quién decide qué es bueno y qué es malo? Y si esa emoción logra ser una grieta en tu indiferencia y tú llegas a tu casa y lo platicas, entonces ese cambio ya salió del museo. O sea, no es un cambio repentino, pero es poco a poco que algo en nuestro interior va cambiando, se va sensibilizando, nos va haciendo mejores personas. Entonces pues así es cómo.

Ángel. Hola Andrea, mucho gusto, soy Ángel Granados. Una de las obras de las que más se habla en el mundo por su misterio es La última cena, de Leonardo da Vinci. Me gustaría saber qué opinas sobre ella.

Andrea Molina. ¡Wow! Creo que escogiste la obra con más misterios. Y está bien, o sea, está bien llegar a una obra de arte a través de la curiosidad, del chisme. Para mí, personalmente, creo que el misterio más grande en torno a Leonardo Da Vinci es cómo es que pasó a la historia como pintor, si él mismo ni siquiera se consideraba pintor en primer lugar. O sea, claro, sabía pintar y él sabía que sabía pintar. Pero antes de pintor Da Vinci se consideraba muchísimas cosas más. De hecho, La última cena precisamente, la pinta en Milán, porque el sueño de Da Vinci era ir a trabajar para Ludovico Sforza, que era como el dueño de Milán, y le escribe una carta de que oye, Moro, así le decían, El Moro. Oye, Moro, contrátame y le enlista nueve cosas que Da Vinci sabía hacer. Oye, pues yo sé hacer túneles y yo sé hacer fortalezas, y yo sé atacar al enemigo, y yo soy un gran estratega. Pero además soy divertidísimo y toco la lira y hago miles de cosas. Y después de esos nueve puntos que él consideraba en los que él era excelente, destacaba en esos ámbitos, le pone, posdata: y en tiempos de paz también sé pintar. Y hoy por hoy es de los artistas más famosos de la historia del arte. Entonces, hay muchísimos mitos que rodean todo esto y hay algunas cosas que son verdad porque Da Vinci las escribió, porque la academia las acepta como verdad y hay otras cosas que son ficción y no está mal. O sea, si nosotros llegamos a la obra de Da Vinci porque leímos una novela de Dan Brown, está muy bien. De alguna manera hay que llegar a la hora del arte, nada más ya que estás allá, pues averigua tantito y pues está padre creer también en teorías de conspiración si eso nos lleva a aprender de la historia del arte. Estarán de acuerdo conmigo que es una de las cinco obras más famosas de la historia del arte y aún así no siempre ha sido considerada importante. Por ejemplo, Da Vinci la pinta en el comedor del convento., o sea, está en Santa María de la Gracia, en Milán, entonces está el convento de los monjes y en ese comedor normalmente se acostumbraba poner temas de la última cena porque los monjes comían en silencio mientras oían el Evangelio y meditaban, y rezaban y contemplaban la última cena, entonces rezaban. Y de repente estaban los demás cuartos, ahí estaba la cocina y ahí estaban los dormitorios y tal, y pues estaban comiendo y se acabó el pan. Pues ve a la cocina por más pan y luego ay, se acabó el vino, pues ve a la cocina por más vino. Hasta que un día, para no tener que dar toda la vuelta al convento, decidieron hacer una puerta en el muro que dividía el comedor con la cocina y se volaron los pies de Jesús. Entonces eso nos habla de que mínimo en 1652 que fue esa barbaridad de mocharle los pies a Cristo, pues la obra de Da Vinci no era tan importante. Hoy por hoy nadie se atrevería a hacer un hueco en esa pared. Luego pasa el tiempo y cuando Napoleón invade esa zona, su ejército usaba ese cuarto para el establo.

Andrea Molina. Y luego llega la Segunda Guerra Mundial y gracias a la comunidad, pues en general de toda la ciudad y de la Iglesia católica, cubrieron esos muros con costales y todo el edificio se cayó, excepto esos dos muros. Pero claramente, quién tiró las bombas no le importó tampoco la última cena. Entonces, si bien para nosotros ahorita es uno de los hitos del arte, no siempre ha sido considerada así. Ahora, ¿por qué es importante La Última cena y por qué suscita tanta admiración y tantas ganas también del drama, no? Pues tenemos también a Cristo enmedio y a sus 12 apóstoles. Y quiero que pensemos en ese hecho, en eso que está pintado ahí como algo que imagínese que nos esté pasando a nosotros, o sea, vas a tu jueves de amigos o a tu MDA, a tu miércoles de amigas y llegas y una de tus amigas dice oigan, una de ustedes me va a traicionar y mañana me voy a morir. O sea, imagínate las respuestas o las reacciones de tus amigos de hoy, de tu grupito de amigos. Uno va a decir, otro se va a morir de risa, va a creer que estás jugando, otra va a estar indignada, otra va a salir a defenderte a capa y espada, ¿verdad? Y piensa en los nombres concretos de tus amigas y piensa cómo reaccionarían hacia ese mensaje. Pues eso es exactamente lo que pintó Da Vinci. Pintó un pasaje bíblico en donde Jesús anuncia a sus discípulos uno de ustedes me va a traicionar mañana. Entonces aquí vemos las reacciones. Y para esto, si Da Vinci igual y no les salió bien la técnica, oigan, pero lo que les salió espectacular fue la reacción psicológica de cada uno de estos personajes. Parece tan humana que podemos ser nosotros y nuestros amigos. Por ejemplo, tenemos primero aquí en la pantalla a Santiago el menor, donde le está tocando el hombro a Pedro. ¿Qué? O sea, ¿oí bien? Pregunta bien. Y luego tenemos a Andrés diciendo oigan, yo no, yo no, no sé quién lo va a traicionar, pero yo no, les juro que yo no. Rápidamente lavándose las manos. Y luego tenemos a Pedro. Pedro está indignadísimo y se acerca a Juan a preguntarle ¿sabes? Dime quién es. Y en la parte de atrás, Pedro tiene un cuchillo, porque el que ha leído la Biblia sabe que saliendo de allá, cuando llegan los soldados a apresar a Cristo, Pedro lo defiende y le corta la oreja a uno de los soldados, por eso está el cuchillo. Y luego tenemos a Judas y Judas es el traidor, nosotros ya lo sabemos. Spoiler, Judas fue el traidor. Y Judas con una mano tiene la bolsita de las 30 monedas de plata que le pagaron por traicionar a su maestro y con la otra mano está tomando el pan, porque hay otro evangelio en donde Cristo dice, el que toma el pan al mismo tiempo que yo.

Andrea Molina. O sea, yo digo es neta, o sea, obviamente yo estaría así, pues yo no toco el pan. El que tenga las orejas calientes, pues nadie se toca las orejas. Pero no, ahí va Judas a decir yo quiero el pan. Entonces la otra mano de Judas es ese instante donde está a punto de tocar el pan, o sea, todavía no se ha revelado que él es el malo de la historia. Y luego tenemos a Juan, que para muchos es María Magdalena. Y está bien, a ver, no es María Magdalena, es Juan. Así lo escribió el artista, así lo declara el museo, así es. Y el personaje de Juan es el que a mí más me gusta, porque vean a Juan, o sea, todos están así ¿cómo? ¿cómo? Pedro furioso saca el cuchillo y Juan está así como. Oigan, y ni Dan Brown se atreve tanto con lo que les voy a decir. Pero si me preguntan a mí y esto es de mi propia cosecha, Juan ya sabía, claro que Juan ya sabía, porque cuando tú vas a dar un anuncio grande, haz de cuenta amigas ¿qué creen? Me caso, ya se lo contaste a tu mejor amiga, no te vas a aguantar. Siempre tu mejor amiga o tu mejor amigo ya sabe. Y va contigo y cuando tu das la noticia ella está así como yo soy la mejor amiga, o sea, claro que yo ya sabía, ya sabes. Entonces ese es Juan. Además, Juan, bíblicamente hablando, era el discípulo amado, o sea, el discípulo de algún modo consentido. O sea, de hecho, cuando Cristo está siendo crucificado, está Juan ahí con la Virgen María y le dice mamá, ahí tienes a tu hijo. Hijo, Juan, ahí tienes a tu madre. O sea, era su favorito. Entonces Juan está así y yo digo que él ya sabía porque está resignado, vean su cara, su expresión está así como hay que aceptar los designios de Dios. No lo tomó por sorpresa la noticia. Y luego tenemos a Jesús, que bueno, Jesús está en el centro, tiene una composición piramidal, no tiene aureola, pero la ventana le sirve de marco de luz, entonces eso le da como el toque divino y Leonardo da Vinci en su tratado de pintura dice que hay que evitar las ropas de la época, porque si bien este mural fue hecho en 1495, pues están vestidos como de la época de Jesús, entonces Da Vinci decía oigan, no hay que pintar la ropa de la época, porque si no las generaciones que vienen nos van a ridiculizar. Y yo la verdad digo cuánta razón tenía Da Vinci, voy a casa de mi abuelo a comer. Bueno, cuando vivía yo iba los domingos y en su comedor tenía 12 hijos, mi abuelo y tenía la foto de boda de todo, cada uno de sus hijos. Y yo veo los vestidos de novia de mis tías y digo, y sé perfectamente bien en qué año se casaron y qué película de Disney salió ese año, porque hay una que está como La sirenita. ¿Se acuerdan del vestido de novia de la Sirenita? Bueno, una cosa así está mi tía, y luego la otra está. Y digo está bien, pero luego por eso recomiendan que los vestidos de novia sean clásicos, para que luego en unos años diga cómo fue posible que me puse esto. ¿A quién le ha pasado que ve una foto de hace cinco, diez años y dice sí que tenía valor para vestirme así? Pues bueno, Da Vinci, él cree que hay que conservar los trajes lo más tradicionales posibles, por eso la ropa de Cristo es muy clásica. Está a punto de tomar el pan. Y luego pasamos a los siguientes apóstoles.

Andrea Molina. Y tenemos a Tomás, oigan, y Tomás está con su dedo así porque Tomás, cuando Jesús resucita, fue el famoso de que yo no te voy a creer que resucitaste hasta que no meta mi dedo en tu costado. Era el dedo de la duda, pero también puede ser el dedo de que oye Jesús ¿y tú quieres o es un plan divino? ¿Dios, tu papá te dijo o es algo como que te voluntariaste? Porque si no viene de Dios, pues mejor di que no, o sea, evita el caos a ti y para nosotros. Luego el siguiente apóstol no se ve su cara pero se ve sus brazos y está así. No, no lo voy a permitir. Esto no es posible. Está furioso. Y luego viene el discípulo que más me da pena, me conmueve muchísimo. Pero está Felipe diciendo ¿seré yo, Jesús? No me digas que voy a ser yo. ¿Acaso seré yo maestro? ¿Seré capaz de tanto? Y está en dudoso, él no confía ni en sí mismo. Y luego los tres del final, que son Mateo, Tadeo y Simón, están cuchicheando, entre que no oyeron bien qué dijo. Pues no oyes, que dijo que alguien lo va a traicionar. Y luego Tadeo está, oigan, yo creo que va a ser… Ya están en la cuchicheada. Y toda esta parte de revelar la emoción psicológica de cada uno de los personajes, yo digo ok, Da Vinci, se te cayó el mural al día siguiente, pero triunfaste en la manera de representarlas. Y cuando digo que se le derrumbó al día siguiente es literal, porque para hacer un fresco, tanto en esa época como ahora, pues uno tenía que pintar en fresco, es decir, poner tu capa de cemento, lo voy a simplificar, pero poner una capa de cemento y antes de que se seque el cemento tenías que poner los pigmentos de tal manera que nunca se va a escarapelar, o sea, nunca se va a deteriorar y por siempre la piedra va a estar de este color. Así es como Miguel Ángel pintó la capilla Sixtina, que era mucho más grande que La Última Cena y daba muchísimo trabajo, pero Da Vinci no podía, Da Vinci no tenía esa paciencia. Él quería experimentar, él quería hacerlo rápido, él quería trabajar otra técnica y pues pintó sobre la pared así, en seco. Y desde el día 1 se empezó a caer la pintura, ha tenido demasiadas restauraciones y si realmente esa pintura sigue viva es gracias a las restauraciones. Porque para entender qué tan fracasada estaba la técnica de Da Vinci basta ver la pintura de enfrente, que la pintura enfrente la hizo a ver un pintor ahí Giovanni Donato, que tampoco fue tan conocido, que es una escena de una crucifixión, pero Ludovico Sforza, que era el jefe, le dice a ver, Donato, tú píntame todo, pero Da Vinci me va a pintar a mí y a mi esposa, porque es Da Vinci. Y hoy por hoy, si ustedes buscan una foto de ese mural, está la crucifixión perfecta, con todos sus colores, como si hubiese sido pintada ayer y los mecenas que pintó Da Vinci blancos.

Andrea Molina. O sea, solo se ve la silueta blanca. De no haber tantas restauraciones, pues La última cena estaría blanca.

Constanza. Hola Andrea, mi nombre es Constanza García y yo quisiera preguntarte. He conocido a varios artistas, bueno, grandes artistas, que he pensado que tienen una vida aburrida, pero cuando les llega la inspiración es como otra persona. ¿Eso es verdad?

Andrea Molina. Yo creo que no es verdad. Picasso decía que la inspiración existe, pero te tiene que encontrar trabajando. Después de mucho tiempo de estudiar la vida de los artistas, difícilmente encuentro en sus vidas y en todo lo que hicieron, tiempo para aburrirse. Si tienes que estar ya trabajando para que la inspiración pueda llegar. Mi abuela, que era una sabia mujer, uno de mis personajes favoritos de la historia, siempre que yo quería hacer algo. Ay abuela, quiero hacer esto y quiero hacer lo otro y voy a hacer un cuadro de no sé qué, no sé qué, solo se volteaba y me decía en gerundio, linda, en gerundio. O sea, pintando, haciendo, caminando, empezando, porque si no, nunca lo vas a empezar, siempre hay un pretexto. Es que hoy está nublado. Es que después de las vacaciones. Ay, no, no, no, a ver, pasandito la Navidad y ya me pongo a eso. Y de repente pierdes la cuenta de cuántos lunes ya pasaron y no empezaste. Hay una frase que dice construye tu avión mientras vuelas. No esperes a tener todo tu avión listo, entrenado, con miles de pruebas y todo para ejercer tu primer vuelo. Constrúyelo mientras ya vas volando, porque eso si nos frena muchísimo, el decir tengo que tener toda mi vida en orden, perfectamente bien orquestada, tiempo de calidad, cero interrupciones para que yo haga mi primera composición musical. ¿Les poncho el globo yo o ya lo saben? Ese momento nunca va a llegar. Yo pienso en artistas que podemos decir ah, él lo tenía todo. Estaba en su jardín de Giverny, echado en su hamaca y Monet un día dijo aquí pintaremos un lindo nenúfar. No, no era así. Monet cuando hizo su serie de nenúfares, que pintó más de 250 cuadros de lo mismo, era porque él tenía un compromiso en captar cómo se refleja la luz en el agua, en las diferentes horas del día, en las diferentes estaciones del año. Entonces, llueva, truene, relampaguee, si nevara, si salía el sol, si saliera el arcoíris. Si tuviera ganas, si no tuviera ganas. Con la perdida que tuvo, con los problemas de que los vecinos lo demandaban por tener tantas plantas, el jardín acuático y tal. Él todos los días religiosamente se paraba y pintaba esas nenúfares. No esperaba al aburrimiento, porque si no, imagínate cuántos cuadros hubiese pintado. Bien poquitos, ¿no? O Toulouse-Lautrec. ¿Se acuerdan? El de las bailarinas de can-can, el que pintaba en París a principios de 1900. El pobrecito tenía una vida de esas de telenovela en donde su familia lo rechazaba, donde las mujeres lo rechazaban y se tenía que refugiar en el Moulin Rouge, viendo las bailarinas y mientras ellas bailaban él las dibujaba, pero no porque estaba aburrido, sino porque él sabía que se tenía que poner a trabajar para que las ideas empezaran a fluir.

Andrea Molina. O por ejemplo, una mexicana, o mexicanizada, que es Leonora Carrington, a mí me encanta. Ella tampoco tuvo tuvo tiempo de aburrirse, la mujer no paró. Huyó del papá, porque acuérdense que ella nace en una cuna de oro, debutó en Buckingham con el rey de Inglaterra y tal, pero decidió que tenía la vida demasiado resuelta, así que dio un portazo y se fue a la mala vida. Entonces ahí estaba. Huyó a París y de repente llega la Guerra Mundial y tiene que huir. Y luego el papá la encuentra y la encierra en un hospital psiquiátrico y luego huye de allá y eventualmente huye y huye y huye. Y durante todo ese tiempo en donde el aburrimiento no tenía espacio, ella pintó y pintó y pintó y pintó. Entonces, la inspiración no es una idea que llega con sus alas, así volando y aterriza en nuestro cerebro mientras nosotros estamos en bata, pantufla y con el café caliente. La inspiración sí llega, pero llega en gerundio. nan

Valentina. Hola Andrea, mucho gusto. Mi nombre es Valentina Martínez y me encantaría saber, ¿qué tan cierto es el mito de que todos los artistas llegan a sufrir de algún tipo de enfermedad mental?

Andrea Molina. Yo creo que en el fondo somos buenos y nos encantan las historias de final feliz y nos encanta pensar que la persona sufrió, pero al final el arte lo salvó, y sí fue reconocido. Cuántas veces hemos pensado en Van Gogh, por ejemplo, y decir ay, qué ganas tengo de resucitarlo y decirle triunfaste y pegarle su oreja. Pero no, yo no creo que todos los artistas sufren una enfermedad o una enfermedad mental o una enfermedad física. Claro, hay muchos de ellos que han tenido una pérdida, una tragedia, un dolor grande, una condición emocional, pues como muchos de nosotros, pero eso no los define. Hay más allá de esos episodios de dolor que sería bastante injusto catalogar toda la obra de un artista y reducir toda su biografía a un episodio. Por ejemplo, se me ocurre Van Gogh ahorita que estábamos platicando de él, que el mito de genio loco incomprendido siempre sale una y otra vez. Pero sería un poco injusto reducir a todo el trabajo de los artistas, a todas las decisiones de qué color, qué composición, qué estilo, qué trazo a un dolor o a una tragedia. Incluso haciendo homenaje a Yayoi Kusama, que falleció hace poquito, ella pues desde chica cuenta de sus alucinaciones y que veía puntitos y cómo el arte le ha ayudado a encontrar esa catarsis, esa sanación emocional, pero siempre ella afirmaba que desde 1970 hasta el día que murió por convicción propia, vivió en un hospital psiquiátrico. O sea, ella se ayudó en el tema y eso no la hace menos artista. El sufrir algún padecimiento o tener alguna tragedia no te resta creatividad y al contrario, es muy valiente buscar ayuda. Y tampoco podemos decir ah, es que Kusama pintaba sus calabazas y es súper famosa con sus cuartos de espejos infinitos, con millones de puntitos porque veía puntitos. No, no porque veía puntitos, porque decidió buscar ayuda, porque tenía una rutina, porque se levantaba todos los días a pintar, porque decidió comprometerse con su arte y ser una persona súper profesional. De hecho, incluso estas artistas que han tenido un episodio de salud mental, ya sea de depresión, de alucinaciones, claro, el arte ha sido un buen camino para ellos, destacar ciertas cosas que quizás no podamos expresar en palabras, pero también han sido lo suficientemente valientes para buscar ayuda profesional. Entonces nunca descuidaron su salud mental porque ellos querían estar bien y querían seguir pintando. Entonces, con la ayuda de un profesional y el arte, que el arte también te ayuda a sacar cosas que, pues es un método muy noble en donde tú puedes ser fiel a ti misma, donde puedes no pretender o no querer ser perfecta, simplemente sacarlo por allá, lograr estar mejor y querer estar mejor.

Yennedi. Hola Andrea, es un gusto. Mi nombre es Yennedi. De esta idea del artista maldito, ¿qué tan cierto es que Van Gogh solo vendió un cuadro en toda su vida?

Andrea Molina. Es cierto. Hay varias teorías. Hay la teoría de que no vendió ninguno. Hay la teoría que vendió uno. Hay la teoría que vendió cuatro. Para mí, para todo fin práctico no vendió. Y ahí es donde entra otra vez nuestras ganas de resucitarlo y decirle lo hiciste súper bien, tu obra vale millones de dólares. Pero yo creo que específicamente cuando hablamos de Van Gogh, me gustaría tener en cuenta dos cosas. Uno, nunca hay que confundir el buen arte con dinero y dos, hay que dejar de pobretear a Van Gogh porque caemos en el pobre, artista fracasado, infravalorado, que no vendió, que estaba loco. Entonces ahí es difícil dejar de ver eso y empezar a ver lo que sí hizo. Por ejemplo, Van Gogh era una persona sumamente capaz, hablaba varios idiomas, sabía leer y escribir varios idiomas, era inteligentísimo, era un ser muy bondadoso, con un corazón gigante. Daba su vida y su tiempo por los demás. Se fue de misionero a lugares donde nadie quería ir, en lugares fríos a trabajar con los mineros y sí claro, Van Gogh era una persona muy intensa, era un poco fanático y acelerado y por eso quizás asustaba a los niños del pueblo. Pero realmente pensar que Van Gogh fracasó sería bastante injusto, porque fíjese en este dato. Del día uno que Van Gogh decidió pintar un cuadro para vender porque él siempre había dibujado, garabateado y hecho dibujos sencillos, pero el primer día que dijo voy a pintar un cuadro para venta y se lo mandó a su hermano, que era galerista, al día que murió solo pasaron cinco años. ¿Entonces díganme qué artista en tan solo cinco años tiene hoy la fama internacional que esperamos que hubiese tenido Van Gogh? Nadie. No le dio tiempo a la gente por lo corto que fue su vida. O sea, pensamos en artistas como por ejemplo Picasso. Él, mil años después de haber empezado a pintar, fracasó horrible, no vendía nada, sufrió el suicidio de su mejor amigo, empezó a pintar cosas azules. Nadie quería pintar cosas deprimentes y decrépitas en la pared. Entonces, bueno, pues se tuvo que regresar a vivir con sus papás y finalmente vivió 92 años. Entonces dio tiempo a que la gente reconociera su talento y gozara de esa fama. Lo mismo Monet, que vivió 86 años o Cézanne que vivió 80 y tantos años. Entonces esos artistas más longevos pues dieron tiempo a que su arte pudiera ser apreciado, Van Gogh no. Y somos muy buenos para pobretearlo, de pobrecito, nadie valoró a su obra, nadie le compró nada.

Andrea Molina. Murió, fue un muerto de hambre y no, pero realmente Van Gogh iba por muy buen camino. Su hermano Theo trabajaba en una gran galería de arte que era como equivalente a la Gagosian Gallery de hoy y la obra de Van Gogh se expuso ahí. Y luego salieron un par de críticas muy positivas de la obra de Van Gogh en el equivalente al New York Times. Entonces ahí estaba yendo. Mucha gente en París sabía quién era Van Gogh, cómo pintaba, qué estaba pintando, dónde estaba viviendo, le estaban siguiendo la pista. De haber vivido más yo creo que él si hubiese logrado ese reconocimiento y fama en vida, nada más que nos encanta el mito del pobre artista incomprendido, saquen los violines y nos encanta. ¿Qué vamos a hacer? Nos encanta el drama.

Yennedi. Esto de que, de la historia de que se cortó la oreja porque estaba loco, ¿por qué surgió?

Andrea Molina. Parte de un hecho real, o sea, a Van Gogh sí se le cayó la oreja. No digo se la cortó porque todavía no sabemos si se la cortó o se la cortaron. Y sí parte de un hecho real, pero ese hecho eclipsa todo lo demás que era Van Gogh. Hay varias teorías. La primera teoría es que, a ver, para ese entonces, cuando él se corta o le cortan la oreja, él invita a Pol Gauguin, que era un gran amigo suyo, que también era pintor, a vivir con él en su misma casa, y tenían los dos la intención de hacer como una fraternidad, un colectivo de artistas y como que pintar juntos y revolucionar la historia del arte. Entonces en ese entonces, pues obviamente los dos tenían una personalidad bastante fuerte y una de las teorías es que cuando Gauguin le dice ¿sabes qué? Yo ya me voy, ya estuvimos nueve semanas juntos, yo ya me voy a a Tahití a buscar ahí nuevos horizontes. Él le dice ¿sabes qué? No, no te vayas. Y Van Gogh piensa, esta es una teoría, y Van Gogh piensa, ya le pinté girasoles, ya le regalé mis cuadros y así no se quiere quedar. ¿Qué hago? Pues le doy mi oreja para que vea lo importante que es para mí. Otra de las teorías es que en una noche de borracheras, porque los dos les encantaba la fiesta, empiezan a discutir y Gauguin que era un gran esgrimista, sin querer le corta la oreja y se le cae la oreja y al día siguiente amanecen los dos todos crudos, el hombre ensangrentado y dice a ver, ya fue cosa de borrachos, dejémoslo atrás, me voy al hospital, me curan y ni siquiera te voy a denunciar. Otra teoría es que, pues sí, Van Gogh no vendía nada, no vendía nada aún y todo el financiamiento económico venía de Theo, su hermano. Y cuando Theo le escribe en una carta, oye ¿qué crees? Me voy a casar, Van Gogh entra en un pánico de decir órale, pues si se va a casar y eventualmente va a tener hijos, entonces ¿quién me va a mantener a mí? Y en una impulso de desesperación se corta la oreja. Son las tres teorías que más suenan y la verdad es que independientemente de qué pasó, quién cortó esa oreja, vamos a detenernos ante este cuadro que tienen aquí, que es el autorretrato de Van Gogh con el vendaje por haberse cortado la oreja. Más allá del drama de la historia trágica de la pérdida de una oreja, para mí ese cuadro lo que me dice es una persona que tuvo un episodio, una caída de que tocó piso, pero se levantó, buscó ayuda médica y regresó a hacer eso que le gusta. Cuando se pinta fíjense que sí sale vendado y en la parte de atrás hay un caballete. Decir, quiero volver a pintar y hay un grabado japonés que siempre se inspiró en los grabados de Ukiyo-e, de la escuela japonesa, entonces nos podemos quedar con una de estas dos cosas. O pobre, estaba loco, se cortó la oreja, y deja tú que se cortó la oreja, se pintó, lo publicó. Deja tú que hizo una barbaridad, se tomó la selfie y la subió. ¿Qué cosa está peor, no? O lo podemos ver como alguien que sí tuvo un, pues un tropezón o se metió en una pelea o no sé, estaba fuera de sí, pero decidió volver a ser ese artista que sabe que es, volver a echarle ganas.

Andrea Molina. Y yo creo que eso tiene mucho valor. Entonces a mí me encantaría que cuando vean algo de Van Gogh, una reproducción, un cuadro original, una libreta, un póster, en vez de pensar pobrecito, nadie lo valoró, nadie le compró, se cortó la oreja, perdió la vida joven y tal. Piensen, oye, ¡wow! O sea, con todo eso que le tocó sufrir, logró levantarse al día siguiente, tomar los pinceles y decidir pintar.

Valeria. Hola Andrea, mucho gusto, soy Valeria. Cambiando un poquito de tema, tengo una pregunta. Se dice mucho que Miguel Ángel pintó la Capilla Sixtina acostado. ¿Qué tan cierto es eso?

Andrea Molina. Lo que pasa es que han salido varias películas en donde se muestra a Miguel Ángel acostado, pero la realidad es que lo pintó de pie y lo sabemos porque él le manda la carta a un amigo diciendo oigan, estoy tronado, me duele todo, no soporta la espalda, me cae pintura en los ojos y mandó un dibujo de cómo él pintaba. Y es un dibujo de un hombre como medio caricaturesco, pintando con el cuello así y la mano extendida pintando el techo en un andamio de 20 metros de altura. Entonces bueno, hasta para quejarse tenía talento. Yo creo que la historia de Miguel Ángel y en particular la pintura de la Capilla Sixtina, es otro de los grandes chismes de la historia del arte que nos causan muchísima curiosidad y para mí es un gran aliado, la historia de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina es un súper aliado a la hora de tratar de convencerlos de que la historia del arte les juro que sí es divertida. O sea, a ver, si esta historia fuera telenovela le darían el prime time de las 21:00 de la noche. O sea, sí es esto decir, increíble que todo eso pasó y pues resulta que Miguel Ángel era el mejor escultor vivo, pero además el mejor escultor de todos los tiempos. Ya había hecho La piedad, ya había hecho El David y el Papa Julio II, que era el Papa en turno, lo llama a Roma y le dice a ver, ven, porque quiero que hagas mi tumba. Y la tumba del Papa Julio II iba a ser un complejo escultórico de 40 esculturas tamaño real, una cosa monumental, espectacular. Y Miguel Ángel dijo esto va a ser mi obra cúspide, esto va a ser el clímax de mi carrera, Personalmente él se va a las canteras, pasa alrededor de cinco años en total, si pegamos todos los tiempos que se fue a buscar piedra porque él escogía su propia piedra, y deja tú, él se la traía. Entonces bordeaba montañas y pasaba ríos con piedras pesadísimas. Ya había empezado a seleccionar las piedras y tal y le dice el Papa Julio oye, ¿sabes qué? Pausa, a mi tumba quiero que me pintes el techo y él decía, no hay manera. Eso es una ofensa total. ¿Cómo yo, que soy el mejor escultor de todos los tiempos, me vas a pedir que agarre el pincel? O sea, es como, claro, todos son artistas, pero el ser pintor era de menor catego que ser escultor. Claro que no. Y Miguel Ángel, que es como súper fan de las teorías de conspiración, empieza esto es un boicot, esto es una trampa de mis archirrivales, porque claro, ahí todo el mundo se peleaba el favor del Papa para los encargos. Esta es una trampa de bramante que era el arquitecto de la nueva Basílica de San Pedro que quiere ver que yo fracase. Y es una trampa de Rafael, que aunque es más joven que yo, él también quiere pintar y hacer los encargos papales. Y ellos me quieren embaucar porque como yo no pinto fresco y porque yo no pinto, pues quieren verme fracasar. Entonces le dice pues no, no lo pinto. Y el Papa le dice ah, bueno, ok, te cancelo el encargo de mi tumba, o sea, lo orilla a que pinte el techo de la Capilla Sixtina y dice bueno, ok, lo voy a pintar, ¿qué quieres?

Andrea Molina. Quiero que pintes 12 figuras de la Biblia y dijo a ver, mis rivales me quieren ver fracasar y si voy a fracasar, voy a fracasar a lo grande. Y decide pintar nueve escenas de la Biblia del Génesis y más de 300 figuras, o sea, no 12, 300. Y le dice al Papa a ver entonces ¿cómo me voy a subir ahí? Porque esto mide 20 metros. No te preocupes, Bramante ya te diseñó un andamio que cuelga del techo. Decía el otro claro que no, me lo va a poner falso y ahí me voy a matar. Y luego, además, cuando yo quite el andamio, ¿qué hago? ¿Cómo resano los huecos? Y dijo no, no, no, no, a ver, yo me las ingenio para ver cómo me trepo hasta allá y cómo lo pinto. Y se encerró y no dejaba que nadie entrara. Empieza a pintar y tal. Y claro, Rafael curiosísimo, lo espiaba ahí por el orificio de la ventana y por la puerta semiabierta. Incluso al mismo tiempo, Rafael estaba pintando en las estancias papales la Academia de la Escuela de Atenas y era tan fan de Miguel Ángel que decide poner su cara en uno de los personajes en Heráclito y lo pinta con sus botas y con su pedestal de escultor y le hace un honor. O sea, claro, a ver, todo el mundo quería el favor papal, pero Rafael sabía reconocer que Miguel Ángel era un genio. Pues finalmente acaba con una obra monumental. Mide 40 metros por 13, la hace con la técnica correcta del fresco, pinta un pedacito, un metro cuadrado y luego le pone el cemento, antes de que seque que lo pinta y luego va al siguiente metro cuadrado. Pero ojo, que tienes que ver que te quede parejo, porque si no el desnivel te hace ver como que tiene una piernota o una carota, entonces como que no. Para poner en comparación, la última cena de Da Vinci medía cuatro por nueve y esto medía 40 por tres, era gigantesca. Tardaron casi el mismo tiempo, pero bueno, Da Vinci pajareaba y hacía otras cosas y tocaba la lira, y no la vamos a juzgar, porque sí es un genio. ¡De hecho hay una historia que llegaba al prior de Santa María delle Grazie y le decía apúrate, es que ya tardaste cuatro años en esto. Y él decía bueno, y esto es medio leyenda urbana, que Da Vinci le decía si me vuelves a apurar, pongo tu cara en la de Judas. Pero lo que sí es que Da Vinci tuvo que ir a hablar con Ludovico Sforza a explicarle. Oye, a ver, la gente que es así, la gente artista hace más cuando parece que está haciendo menos. O sea, cuando yo no estoy pintando, estoy viendo, estoy pensando, estoy imaginando, estoy resolviendo problemas técnicos. En cambio, Miguel Ángel no, Miguel Ángel se subió a su andamio y duro, duro, duro, duro. Pintando, pintando, pintando. Despidió a todos sus ayudantes. Y bueno, así logró hacer una de las mejores obras de toda la historia del arte, que sigue intacta hasta el día de hoy.

Ana. Hola, mucho gusto Andrea. Soy Ana Victoria Ruiz, y bueno, yo no entiendo cómo es que un plátano pegado en la pared con cinta puede ser considerado arte. ¿Podrías explicarnos por qué lo llamamos así?

Andrea Molina. Yo te puedo decir que la primera vez que lo vi estaba yo en shock, o sea, de que que no, no, ahora sí me agarraron por sorpresa. Ni yo entiendo que es un plátano pegado en la pared, pero lo que sí sé es que no se vale sentarte y decir eso no es arte, eso no es arte, eso no es arte, eso no es arte, eso no es arte, sin tan siquiera darle una oportunidad. Y no me refiero a que voy a leer de qué se trata y ya me van a dar ganas de pegar el plátano en mi sala. No, porque digo la verdad es que era una obra que no requería instructivo, puede uno ir a la tienda y pegar el plátano, pero te voy a contar lo que yo descubrí cuando leí sobre la obra. Porque yo creo que cuando vemos una una pieza así que dices tú nombre esa hasta yo la puedo hacer y nadie me llama artista y nadie dice que soy un genio. Sí tenemos que preguntarnos mínimo, de qué trata, por qué se hizo, por qué está protestando. Y si después de eso dices no, no te la compro o no es arte, pues no es arte. El artista se llama Maurizio Cattelan. Es un artista que por lo general hace piezas que incomodan, que se vuelven muy mediáticas, que cuestionan mucho o que indignan mucho, como en este caso de decir ay no, pues eso, hasta un niño lo hace. Y lo que él quería hacer era una crítica al mercado, una crítica puntual a los precios del arte. Imagínatelo tú en su estudio, decir a ver, hasta cuánto puede llegar a valer un plátano pegado a la pared. Pero también vas viendo las obras del artista y dices qué tanto es una crítica y qué tanto es que tú te quieres beneficiar de ser parte de ese mercado del arte con una faramalla de esa naturaleza, ¿no? La verdad es que si bien lo que nosotros entendemos por arte contemporáneo, por lo general nos llega a través de piezas que causan mucha conmoción en redes sociales, como por ejemplo el plátano pegado en la pared, la escultura invisible que solo la pueden ver los inteligentes, que se subastó por 18.000 dólares. ¿Quién la vio? Que solo la pueden ver solo los que tienen una visión supersónica la ven y 18.000 dólares. A mí me tocó ir a Zona Maco y de repente un vivero, unas plantas y decía ay, señorita, y cuánto cuesta ese cactus, supongo que es una especie súper rara. Ah, no, no, no. Aquí la obra de arte es un certificado que tú puedes ir a tu vivero de confianza, comprar el cactus que tú quieras y ponerlo donde tú quieras. O sea, no te vas a llevar el cactus. Entonces sí me he topado con muchas obras que les doy una oportunidad y mi respuesta es pues no, no, para mí no es arte, es una ocurrencia. Ahora, esto no salió así de la nada, no es como que de repente todo mundo pintaba súper bien, con gran técnica y una persona pegó un plátano en la pared.

Andrea Molina. No, esto ya viene ocurriendo desde hace más de 100 años, cuando no sé si han oído hablar de un artista que se llama Marcel Duchamp, que en 1917 decidió poner en una feria un urinario. Un urinario, lo firmó R. Mutt, que es un seudónimo, 1917 y lo llamó La fuente. Y claro que la gente iba, le tomaba fotos, se moría de risa, pero eventualmente La fuente acabó, la original y sus reproducciones, en varios de los museos más importantes del mundo. Y luego tenemos a Andy Warhol con las latas de sopa Campbell. ¿Entonces, dónde está esa línea entre el arte y la vida? ¿Dónde dejó de importar la técnica? ¿Dónde dejó de importar que el artista supiera pintar? Por ejemplo. Y si nos vamos todavía más atrás Tenemos artistas como los impresionistas o como Manet, que en su momento pintó un cuadro que se llamaba Olympia, que era una mujer así como Dios la trajo al mundo viendo al espectador. Entonces era la primera mujer desnuda pintada en la historia del arte, o sea, mujer de carne y hueso. Ya no era una Venus, una ninfa, una diosa del Olimpo, sino que era una mujer de carne y hueso cuya cara era súper reconocible. O sea, todo mundo sabía quién era ella en París en ese entonces. Si la obra de arte sobrevive hoy era porque la policía la protegió, porque la gente la quería tirar a bastonazos, indignaba a la gente de que eso no es arte, el artista no sabe pintar, es una obscenidad, es una ofensa al pudor. Quiten eso. Y hoy por hoy está en el museo de Orsay, en París colgada dignamente junto a los cuadros buenos de la historia del arte. Entonces, claro, esa obra fue súper rechazada y hoy por hoy cuelga dignamente. Pero eso no significa que todas las obras que causen shock va a pasar las décadas y van a ser aceptadas como buenas obras de arte. Yo creo que el final de la línea es sumamente subjetivo. Hay gente que dirá no, pues para mí el plátano pegado en la pared sí fue arte porque me hizo cuestionar el valor del mercado del arte. El artista se burló de la gente que paga 128.000 dólares por un plátano que ni siquiera te va a servir para hacer un panqué. Y hay gente, como es mi caso, que dice pues no, o sea, muy bonito todo, pero para mí no es arte. Y claro, como todas las reglas, tengo mis excepciones, como los relojes de Félix González Torres, que son dos relojes que compró en Walmart y los puso así en la pared y son dos relojes que de verdad yo digo bueno, está peor que el plátano, pero tiene un trasfondo, un significado de cómo los dos, un reloj está parado y el otro sigue girando, de cómo cuando él perdió al amor de su vida, el reloj se detuvo y él siguió girando.

Andrea Molina. Lo difícil que es perder a alguien, lo difícil que es seguir viviendo sin el testigo que es tu compañero de vida. Sabes como tú describes con palabra el dolor de perder a la persona más importante de tu vida en una novela o en un poema y a veces el artista no puede. Y la manera que Félix González Torres tuvo de plasmar eso fue con dos relojes que uno sigue girando y uno no. Claro, tú llegas al museo y dices, ni te percatas que es una obra de arte. Dices ay, qué chistoso el museo. Será que puso la hora de Londres y la hora de acá. Como que no tienes idea porque dos relojes, pero esa es una de las piezas que para mí requiere cero talento, como cualquiera lo puede hacer y sin embargo yo sí le doy el título del arte porque movió algo en mi.

Donaji. Hola Andrea, ¿qué tal? Soy Donaji Molina. Me da mucho gusto estar contigo aquí hoy. Bueno, yo me dedico a la pintura y te sigo en redes sociales ya desde hace un tiempo y me gustaría preguntarte en esta ocasión, ¿tú qué opinas respecto a esto que se dice de que el arte es solo para las clases altas? Y por el otro lado también existe esta idea de que si estudias arte te vas a morir de hambre. ¿Cuál es la realidad o qué opinas tú sobre todo ello?

Andrea Molina. Yo creo que es otro de los grandes mitos del arte. A ver, si nos ponemos a revisar la biografía de la mayoría de los artistas casi ninguno de ellos venía de una clase alta y todos ellos participaron del arte. A ver, muy distinto es, solo la clase alta puede subastar por obras carísimas y pues eso sí, pero también por los grandes lujos, los relojes, los coches, no sé. Yo no tengo un Rembrandt colgado en mi casa y sin embargo siento que puedo accesar al arte desde donde yo vengo y yo creo que funciona más bien al revés. O sea, la gente no se siente lista para el mundo del arte o como que se intimida y dice no, yo no sé nada de arte y se hacen para atrás o se sienten muy ajenos al mundo del arte. Dicen no, es elitista, es solo para los que tienen mucho dinero y luego que tienen mucho dinero dicen no, es solo para los cultos, para los intelectuales inteligentes. Pero realmente todo mundo sabemos alguito de arte y hay que como vencer las penas que nos puede dar entrar a un mundo que creemos ajeno y distante, y decir yo también puedo participar de él, no se necesita invertir nada. Hay una cantidad de contenido informativo que puede despertar tu curiosidad, que puede enseñarte cosas de la historia del arte, que por supuesto, esto es para todos. Y sobre tu otra pregunta, sobre si es verdad que si estudias arte te vas a morir de hambre, pues sí, eso es algo que que yo he oído y pues la verdad es que yo creo que sí puedes vivir del arte, incluso cuando uno dice el arte son demasiados campos. Está artista, pintar, esculpir, tomar fotos y tal. Está historiadora del arte, que es lo que yo hago. También hay críticos de arte, hay curadores, hay gestores culturales, hay peritos en arte, una infinidad de disciplinas dentro del mundo del arte. Lo que yo sí te recomendaría es dedícate a algo que te apasiona. Si son los números, vas. Si es la ley, vas. Si es el arte, vas. Porque si tú haces algo que te gusta, lo más probable es que te vaya bien. Y si te va bien, pues no te vas a morir de hambre.

Lucia. Hola Andrea, mucho gusto. Mi nombre es Lucia Viñas, es un placer estar aquí contigo, y me gustaría preguntarte, además de todo lo que nos has compartido, ¿qué te gustaría que pudiéramos descubrir la próxima vez que veamos una obra de arte?

Andrea Molina. Yo creo que a mí me encantaría que cuando vieran una obra de arte o visiten un museo, se den la oportunidad de detenerse. Yo sé que la vida nos corre. Yo sé que el tic tac. Yo sé que existe la ansiedad por postear y la selfie y tal, te pierdes del mensaje. O sea, cierras el canal de comunicación con la obra de arte. Entonces a mí me encantaría que cuando vayas a un museo te des la oportunidad de detenerte. O sea, deja de scrollear, concéntrate en el cuadro que te llamó la atención y hazte una pregunta, una, una pregunta, no la tienes que decir en voz alta. Nada más es como, ¿qué sentiría yo de ser ella? O, ¿por qué creo que está pasando esto? Y yo creo que así es donde vamos a empezar a ver micro, micro, micro cambios en nuestra personalidad, en nuestra confianza, en nuestra autoestima, en nuestra ilusión, en nuestra empatía. Y si ese cuadro, esa escultura, esa fotografía, ese performance, logra generar un micro cambio en ti, entonces ya cambiaste. Si cambias tú, empieza a cambiar el mundo. Entonces, quiero agradecer de verdad a todos ustedes por estar aquí, por compartir conmigo esto que yo amo y adoro, me fascina la historia del arte. Y yo me voy muy feliz de quizá haber logrado en solo uno de ustedes la curiosidad por el mundo del arte. No esperen a tenerlo todo listo, no esperen a tener la cosa perfecta, no esperen a aburrirse. El mundo del arte los está esperando, solo que tienen que entrar en gerundio.