“El teatro nos enseña a ser más tolerantes”

Carlos Hipólito. Gracias. Muchas gracias por estar aquí. Bueno, yo me llamo Carlos Hipólito. Soy actor y he tenido mucha suerte. He tenido mucha suerte, primero por poderme dedicar a lo que me apasiona que es la interpretación, y también porque, a lo largo de los años que llevo dedicándome a ser actor, que ya son 40, madre mía qué horror, he tenido la posibilidad de trabajar de una manera muy continuada, que es algo que en un oficio como este pues es complicado.
Y también tuve mucha suerte, yo creo, porque desde muy pequeño descubrí lo que me apasionaba y eso es una cosa complicada porque, a veces, cuando se tiene una edad corta, todavía no sabes a qué te quieres dedicar o no tienes muy claro hacia dónde dirigir tu vida, tus estudios, ¿no? Y yo creo que tuve la suerte de, desde muy pequeño, saber que esto me apasionaba. No sabía si me iba a poder dedicar a ello, pero si sabía que me gustaba mucho. Y yo creo que eso fue motivado, también, porque mis padres eran muy aficionados al teatro y nos llevaban muchísimo al teatro a mí y a mis hermanos.
Yo, desde muy pequeño, recuerdo ir con mi madre a ver funciones de teatro, primero de teatro infantil, después de teatro un poco más para adolescentes, después ya teatro más adulto. Pero desde siempre he ido al teatro. Y, de hecho, curiosamente, el primer recuerdo que yo tengo de haber visto un espectáculo, que, habitualmente, para casi todo el mundo suele ser una película, ¿no? Lo primero que recuerdas que fuiste a ver o que te impresionó.

En mi caso es teatro. Yo fui a ver una obra, debía tener muy pocos años, cinco o seis años, y fui con mi madre al teatro María Guerrero a ver una obra que se llamaba, ojo al título, ‘El cocherito leré’, que era el nombre de una canción que se cantaba… «El cocherito leré me dijo anoche leré…», una canción que había entonces infantil. Bueno, yo fui con mi madre a ver esa función de teatro y estábamos sentados en las primeras filas del patio de butacas. Y llegamos un poco tarde. De tal manera que, cuando avanzábamos por el patio de butacas por el pasillo central hacia nuestras localidades, se apagó la luz, y, claro, íbamos, un poco, como a ciegas porque ya el acomodador se había quedado atrás. Y, de pronto, en aquella oscuridad, yo recuerdo como si fuera ahora, que se levantó un trapito, que luego me dijeron que se llama telón, se levantó una tela en una pared, y de pronto, allí apareció un mundo. Un mundo mágico, para mí, mágico. Y aquella sensación de: «¿Pero qué es esto?», que yo tuve mientras andaba hacia la butaca donde me tenía que sentar con mi madre, me ha acompañado toda mi vida, oye. Que yo era muy pequeño, como os digo, y, sin embargo, todavía hoy, cada vez que se levanta un telón, me recorre un escalofrío. Y da igual que yo esté sentado en el patio de butacas porque vaya a ver una obra de teatro, o que esté dentro del escenario porque vaya a interpretar en esa obra un papel. Siempre, el momento en que se levanta un telón, o si no hay telón porque hay montajes, a lo mejor, que no utilizan telón, pero se apagan las luces y, de pronto, ya se enciende la iluminación de la escena, para mí es un momento mágico, ¿por qué? Porque es el momento en el que empieza, insisto, la magia.

La magia es una palabra que yo voy a usar mucho. Yo no soy mago, pero el teatro tiene mucho de mágico. Porque el teatro crea ilusión, nos permite vivir historias maravillosas de una manera muy directa, viendo y respirando con los que lo hacen. El teatro tiene la magia de que los actores están ahí, haciéndolo delante de nosotros. También el teatro tiene una cosa que para mí es muy importante que es que el espectador es un personaje más de la obra de teatro que se produce. Porque, con el tiempo, he descubierto que, evidentemente, cada día en el patio de butacas hay gente de todo tipo, ¿no? En un aforo de un teatro completo hay gente lista, gente tonta, gente amable, gente desagradable, hay de todo. Pero, sin embargo, habiendo de todo, sí cada día se crea una energía colectiva, no sé por qué razón, que hace que los que hacemos teatro podamos decir: «Hoy el público es más frío, hoy el público…» Claro, tú la obra la haces prácticamente igual todos los días, ¿no? Hay sutiles diferencias que hacen que no sea idéntico porque no es una película, es una obra de teatro que se está produciendo en directo, y, consecuentemente, las personas que lo hacen están vivas, nos pasan cosas, y eso hace que, sutilmente, se cambien algunos matices de algunas cosas, pero, básicamente, el esquema es el mismo. Y, sin embargo, hay días en los que el público aplaude, otros días en los que no, en determinada escena, o que ríe en determinada frase, y otros días que no. Y, entonces, eso hace que el público sea de una manera o de otra.

Y cuento esto porque esa actitud del público, esa reacción del público hace que la obra también cambie cada día. Porque los que estamos en el escenario trabajamos para el público, y de ese feedback que se produce, de esa reacción que te llega, que no sabéis cómo llega. No solamente llega lo que es sonoro, como el aplauso o las risas si estás haciendo una comedia, sino que llegan los silencios. Es muy diferente escuchar un silencio conmovido, un silencio cómplice, un silencio en el que tú tienes a la gente ahí contigo, a escuchar un silencio que simplemente es respetuoso y va acompañado de un papelito de un caramelo, de que me agacho a coger el bolso o qué hago no sé qué… Son muy diferentes los silencios que se perciben desde el escenario y eso hace que el teatro sea también muy importante para quien lo ve. Porque quién lo ve, participa, y eso tenemos que saberlo todos. Participa de una manera muy directa en lo que se está produciendo ahí. Por eso creo que el teatro, ahora hablaremos de ello, el teatro yo creo que es un arte que conjuga muchas cosas, que puede servir para muchas cosas, que es muy enriquecedor tanto para el que lo ve como para el que lo hace, y si queréis después hablamos de por qué y en qué medida a cada uno. Y, consecuentemente, creo que es algo que tiene un componente educativo muy importante. Y en ese sentido, y para terminar un poco esta primera, digamos, intervención mía, me gustaría leeros un poema de Gabriel Celaya que se llama Educar, que es precioso, a mí me gusta mucho. Y todo esto que dice se podría aplicar perfectamente al mundo de la interpretación, del teatro y todo esto. Dice así:
«Educar es lo mismo
que poner un motor a una barca…
hay que medir, pensar, equilibrar…
y poner todo en marcha.
Pero para eso, uno tiene que llevar en el alma
un poco de marino…
un poco de pirata…
un poco de poeta…
y un kilo y medio de paciencia concentrada.
Pero es consolador
soñar mientras uno trabaja,
que ese barco, ese niño
irá muy lejos por el agua.
Soñar que ese navío
llevará nuestra carga de palabras
hacia puertos distantes,
hacia islas lejanas.
Soñar que cuando un día
esté durmiendo nuestra propia barca,
en barcos nuevos seguirá
nuestra bandera enarbolada».

¿A que es bonito?

Bueno, pues digamos que… Voy a deciros una cosa antes de nada, porque yo he dicho antes que soy actor. Y yo creo que un actor es actor porque hace personajes. Entonces, para mí no hay actores de teatro o actores de cine o actores de televisión. Hay actores, que hacemos personajes, a veces en un escenario o, a veces, delante de una cámara, donde te toque. Cada medio tiene su técnica y su mecánica y su manera de hacer, pero, básicamente, el trabajo es el mismo. Se trata de construir un ser humano con un personaje que está escrito, y darle tu cuerpo, tu voz y tus sentimientos para que el público lo entienda. Pero, como hoy estamos aquí más para hablar de teatro, pues ya hemos, digamos, conectado un poco el teatro con la educación, porque creo que el teatro tiene un valor terapéutico enorme. Para mí, ser actor creo que me ha hecho mejor persona, y os explico por qué muy brevemente. Porque creo que me ha hecho más tolerante con los demás. A mí, de pequeño, mis padres me enseñaron que una de las cosas más importantes que había que hacer en la vida era intentar siempre ponerse en el lugar del otro. Cuando alguien te hace algo que no te gusta, cuando alguien hace algo que tú no entiendes, intentar, de alguna manera, ponerte en su lugar y ver, en esas circunstancias, cómo te habrías comportado tú. Eso para los actores es muy importante porque, generalmente, nos toca hacer personajes que no tienen nada que ver con nosotros ni con nuestra vida, ¿no? Yo he hecho personajes de todo tipo: Buenos, malos, regulares, personajes que me caían bien, personajes que me caían fatal, tipos a los que nunca tendría por amigos, pero tendría que interpretarlos. Y para eso tienes que intentar entender todo lo que le pasa a ese personaje y por qué lo hace. El hecho de estar toda la vida estudiando a otros personajes que se comportan de manera diferente a ti, intentar entender su manera de actuar y por qué, qué razones les han llevado a ser así, yo creo que te hace ser mejor persona, en el sentido de que eres más tolerante con los demás. Aprendes a entender y a admitir que la gente puede ser muy diferente a ti, y que cosas que a ti no te parecen bien hay que respetarlas, también.

Amaia. Hola, Carlos.

Carlos Hipólito. Hola.

Amaia. Soy Amaia, soy profesora. Te quería preguntar qué capacidades crees que desarrolla el teatro tanto en niños como en jóvenes.

Carlos Hipólito. Yo creo que puede servir… Bueno, está demostrado ya, no es que lo diga yo, que el teatro tiene algo terapéutico, en el sentido de abrir la posibilidad de comunicarse de otra manera con los demás. Todos, yo creo, tenemos cosas que contar y tenemos cosas que comunicar a los otros. A veces, por problemas de timidez mucha gente no lo hace en su vida normal, y la posibilidad de hacer teatro y de interpretar un personaje les permite dar rienda suelta a sacar esos sentimientos y esas cosas que, a lo mejor, en la vida normal, les produce más pudor. Y aunque no sean los tuyos, porque estás haciendo un personaje, y al personaje no le pasa exactamente lo que a ti, sí eso te sirve a ti para, de alguna manera, liberar, yo creo, emocionalmente, cosas que están ahí sujetas. Eso por un lado. Yo creo que también ayuda a perderle el miedo a ser observado. Saber que tú vas a salir al escenario… Yo, por ejemplo, estoy haciendo ahora una obra, que estamos haciendo ahora en un teatro que tiene mil doscientas localidades y está, generalmente, lleno por suerte. Entonces, tú imagínate que yo me planteara cada día que voy a salir al escenario a que mil doscientas personas me analicen de arriba a abajo a ver cómo muevo las manos, cómo muevo los pies, como muevo no sé qué, cómo hablo, cómo tal, cómo cuál… Yo creo que, si lo piensas así, fríamente, cualquier actor saldría corriendo en dirección contraria al escenario y se iría lo más lejos posible porque, claro, es terrible. Pero, por otro lado, la sensación de salir ahí te transporta, yo creo, a un mundo, insisto otra vez, mágico.

Y vuelvo a lo que te decía, lo que le está pasando al personaje, lo que tú estás viviendo y sintiendo y suponiendo que te emociones en una escena y te caiga una lágrima, te cae por una razón que es que al personaje le está pasando algo que a ti no te está pasando. Pero eso ayuda a que tu mundo emocional y todo tu sistema nervioso, que finalmente están conectados, estén más abiertos, se relajen en muchos sentidos. Entonces, las armas que tenemos los actores para trabajar en el escenario son nuestra voz, nuestro cuerpo, pero nuestros sentimientos porque esos sentimientos tú los pones al servicio del personaje. Cuando tú haces que te enfadas, es algo así entre comillas, de alguna manera te estás enfadando como te enfadas tú habitualmente. Luego ya si tienes que componer un personaje, hacer un personaje que es muy diferente a ti, ya le pones una serie de características físicas diferentes. Pero de entrada, tú estás liberando ahí una serie de emociones que son tuyas y que, yo creo, que te pueden servir, muchas veces, como algo que te pone en contacto con los demás de una manera en la que tú estás como con una cierta barrera, porque tienes un personaje que te ampara. Yo, por ejemplo, estoy mucho más nervioso hoy que lo que voy a estar esta tarde cuando salga a hacer el padre de Billy Elliot. ¿Por qué? Porque allí estoy enmascarado en un personaje y aquí soy yo el que está, y claro, de repente estás mucho más expuesto. Entonces, yo creo que eso por un lado. Luego, por otro lado, insisto, el teatro… El, desde pequeño, trabajar en obras de teatro te pone en contacto con muchos comportamientos muy diferentes a los tuyos que tú tienes que estudiar y que pensar y que incorporar. Hacer de unos chicos que les pasa algo que no tiene nada que ver con lo que te está pasando aquí, eso ya te está abriendo un mundo. Y luego, es que siempre he pensado que el teatro es un espejo para el espectador. El teatro debe ser un espejo para la sociedad, para que a la gente le podamos hacer desde el escenario preguntas, puedan sentirse reconocidos en lo que ven, en las historias que ven, aunque no sean exactamente las que le pasan a ellos. Y por otro lado, a lo mejor, con un poco de suerte, aparte de preguntas encuentren alguna respuesta en algo o le sirva para que su mundo emocional también se ponga en marcha. Para los intérpretes yo creo que es muy importante por eso. Luego, también, porque teatro enseña algo que es muy importante, que es el trabajo en equipo. En el teatro no valen las individualidades, aunque estés haciendo un monólogo. Eso sirve para poco. El teatro es un trabajo de equipo. Si tú no tuvieras al que te pone el foco, si no tuvieras al que ha colocado esta silla en su sitio, si no tienes al que está calibrando que se te escuche bien, no eres nada.

Amaia. ¿Qué crees que el teatro enseña el espectador?

Carlos Hipólito. Yo creo que cuando nosotros nos sentamos en un patio de butacas a ver una obra de teatro, nos cuentan una historia, nos cuentan un cuento dónde salen personas que son similares a los otros, y eso nos hace pensar en cosas que nos pasan a nosotros o que pasan a gente de nuestro entorno. Inmediatamente nuestro cerebro se pone a comparar lo que está viendo con lo que te está pasando a ti o con lo que te han contado o con lo que no sé qué. Todo eso provoca una reflexión, y el hecho de que el teatro provoque una reflexión, creo que ya es algo estupendo. Por eso yo he dicho muchas veces que yo siempre he tenido el convencimiento de que, si el teatro es bueno, uno sale después de verlo más inteligente de lo que entró, siempre. Porque algo ha hecho un click, en algún sentido, para que tú entiendas cosas. Y por eso creo que la misión que tiene el teatro es la de ser un espejo, insisto, para que nos reconozcamos y podamos plantearnos problemas sobre como somos, sobre como juzgamos a los demás o problemas del tipo que sea, sea que sea el tema que trate la obra. Yo creo que el teatro nos ayuda porque, además, el teatro se produce de una manera en la que nos podemos concentrar mucho en lo que estamos viendo, ¿verdad? Porque cuando vemos algo en una tablet o en una pantalla o en casa, hay cosas que nos distraen. De repente, mientras lo estás viendo, coges el teléfono o vas un momento a la cocina o vuelves a no sé qué… En el teatro tú estás ahí, estás ahí concentrado en lo que estás viendo. Solamente hay un arma letal para el teatro qué es el mal teatro. O sea, el mayor enemigo del teatro no es el cine, los ordenadores, los móviles… No, el mayor enemigo del teatro es el teatro, porque el que va a ver una obra de teatro y se aburre y le parece un horror, no vuelve, porque el teatro aburrido es letal. Pero vamos, yo creo que el teatro crea todo eso, eso es lo que beneficia y lo que le da al espectador, qué se produce en vivo y qué te hace pensar.

Cristina. Hola, Carlos. Soy Cristina.

Carlos Hipólito. Hola.

Cristina. Te quería preguntar cómo fue tu paso por la escuela. ¿Eras de los que levantaba la mano y salía a la pizarra, o no?

Carlos Hipólito. Pues no te creas que yo era de los que levantaba mucho la mano. Es curioso, mayoría de los actores que yo he conocido, el general, son grandes tímidos, curiosamente. Parece un contrasentido, ¿verdad? Porque luego sales al escenario y parece que te comes el mundo y te encanta que te miren y te escuchen y tal. Pero otra cosa es en la vida. Yo, cuando era pequeño, era bastante tímido y lo que pasa es que, desde muy pequeño, yo intenté meterme siempre en todo lo que se hacía de teatro o de actividades culturales que se hacían en el colegio y por ahí me solté un poquito más, pero no era de los que estaba todo el rato levantando la mano o intentando intervenir, no. En general, te va a parecer una tontería lo que voy a decir, pero en general siempre me ha gustado mucho más pasar desapercibido, que que estén muy pendientes de mí. ¿A que parece un contrasentido? Pues es verdad.

Miguel. Hola, Carlos. Soy Miguel y yo te venía a preguntar qué cuál es la cosa más divertida que te ha pasado en un escenario.

Carlos Hipólito. Pues han pasado cosas muy graciosas. Mira, encima de un escenario ha pasado de todo, de todo, de todo. Te voy a contar una que no viví yo en directo y luego te cuento una que viví yo en directo. Pero te voy a contar una que no viví yo en directo, pero que es muy divertida, que me contó una gran actriz mayor, mayor que yo, quiero decir, que yo cuando me la contó no daba crédito. Estaban haciendo una obra de teatro, que era una obra policíaca, ¿vale? Trataba de asesinatos… Una obra que se llamaba Diez negritos, que es una novela de Agatha Christie que es una escritora de novela policíaca, entonces hicieron una versión para el teatro. Y en una escena… Bueno, la obra trataba de una gente que está en una casa y, de pronto, van muriendo algunos de los personajes, y se trata de descubrir quién es el que los ha matado, quién lo ha hecho, todos sospechan unos de otros, etcétera. Entonces, en un momento de la obra lo que tenía que pasar es lo siguiente: se iba la luz de la casa y, de repente, está oscuro. Estaban varias en el escenario, como te digo. Se iba la luz y entonces, de pronto, cuando volvía a encenderse la luz… «Se ha ido la luz…». Se volvía a encender y había uno que había caído al suelo y estaba en el suelo muerto, ¿vale? Entonces, esta actriz que me contaba la anécdota tenía que decir: «¿Quién ha sido?», mirando a los demás. Y a continuación tenía que decir: «Parece que ha muerto asfixiado», y a continuación tenía que decir otra frase que ya no me acuerdo, pero bueno, con esas dos vale. Entonces, ¿qué pasó? Eso es lo que tenía que pasar, pero, cuando se levanta un telón, tú sabes lo que tiene que pasar pero no sabes lo que va a pasar, porque aquello está sucediendo en directo. ¿Qué ocurrió? Cuidado. Que se hizo el oscuro y en ese oscuro se oyó (onomatopeya pedo), pero de una manera potente. Se enciende la luz y uno está en el suelo, y esta actriz dijo: «¿Quién ha sido?». Y claro, teatro estalló en carcajadas. Pero es que a continuación tenía que decir: «Creo que ha muerto por asfixia». Para que veas, por ejemplo, esa es una de las cosas más graciosas que a mí me han contado que ha pasado encima de un escenario, por ejemplo.

Almudena. Hola, Carlos. Soy Almudena y soy profesora. Tengo entendido que para ‘Billy Elliot’ creasteis una escuela. ¿Nos puedes contar un poco cómo fue esta experiencia de la escuela ‘Billy Elliot’?

Carlos Hipólito. Sí, sí; te la cuento encantado porque es algo, además, de lo que yo me siento especialmente orgulloso de que mi país se haya hecho esto. Cuando los productores de SOM Produce, que son los productores de este musical, pensaron en hacer ‘Billy Elliot’, estoy hablando igual hace tres años… La obra hay que decir que se estrenó hace un año, ¿vale? Pues dos años antes los productores empezaron a pensar en hacer esa obra. Esa obra tenía, digamos, la característica especial de necesitar niños que tuvieran entre diez y doce, trece años y algunos, incluso, más pequeños que tuvieran un nivel alto de ballet clásico, niños y niñas, también de claqué y también de acrobacia y por supuesto de interpretación y de canto, porque Billy Elliot es el absoluto protagonista la obra. Entonces, quiero decir que es un personaje que pasa por montón de estados emocionales muy diferentes, y hace falta niños que trabajen muy bien como actores. Entonces hicieron una serie de audiciones por todos los conservatorios de España para ver si había suficiente cantera, digamos, para poder hacer la obra. Y se dieron cuenta de que a Billy Elliot en España había que fabricarlo. Así como, por ejemplo, a lo mejor en el mundo anglosajón, que están más acostumbrados desde pequeños a hacer danza, canto, etcétera, te puedes encontrar muchos ‘Billies’ en distintos conservatorios, aquí en España no los había. Había niños con nivel, pocos, por cierto, que es una pena que todavía sigue habiendo como: los niños a judo, las niñas a ballet; y en la mayoría de los lugares había más niñas que niños haciendo ballet.

El caso es que se dieron cuenta de que había que construir esas disciplinas en esos niños y, consecuentemente, crearon la escuela Billy Elliot, que es una escuela dónde se dan clases de claqué, de acrobacia, de danza clásica, de interpretación, de canto y creo que de alguna cosa más, que me dejo alguna disciplina ahí en el tintero. Estos niños entraron en esa escuela un año y medio antes de que se estrenara la obra. Entraron creo que fueron… no sé si eran veintidós, en esa escuela, sin tener la garantía de que iban a ser seleccionados para hacer los personajes. Esos tenían que hacer cuatro horas diarias, cinco días a la semana en esa escuela, aparte del colegio. Si suspendían, desde que habían ingresado en la escuela, si suspendían dos asignaturas en un trimestre automáticamente los sacaban. Es decir, que sabían que tenían que estudiar mucho en el colegio y apretar, porque si bajaba su nivel, digamos, de resultado académico inmediatamente los acaban de la escuela, y ellos no querían irse de la escuela. Pero es que, además, te cuento que de todos esos niños había muchos que eran de fuera de Madrid, la escuela estaba en Madrid, y había muchos que eran de fuera de Madrid y se tuvieron que venir a Madrid a vivir, porque, claro, tenían que ir cuatro horas diarias a esa escuela. Gente de Burgos, de Valladolid, de Barcelona, de Bilbao, de montones de sitios, han tenido que, a veces, dividir las familias. El padre o la madre se ha venido con el chico o la chica que estaba haciendo aquí la disciplina esta, el otro cónyuge, digamos, se ha quedado con los otros hijos… O sea, que han hecho un esfuerzo enorme. Entonces, esta escuela, además, ha becado a estos niños con los mejores maestros que hay en cada disciplina. O sea, en danza clásica está Carmen Roche, Víctor Ullate. En claqué tienen una maestra extraordinaria, que es Elsa Álvaro. En canto también tienen unos profesores buenísimos, o sea, Noemí Gallego, que es una extraordinaria maestra de canto. Es decir, que estos niños han tenido una formación muy intensa enfocada muy a la obra, a Billy Elliot, a lo que iban a tener que hacer en la obra, pero que, de alguna manera, también les estaba abriendo mucho la técnica en todas estas disciplinas que estamos hablando. Es decir, que si tienen que hacerlo en algún otro montaje, pues lo tienen ahí. De esos veintidós niños, quedaron dieciséis, de esos dieciséis quedaron doce, y esos doce son los que han hecho seis de Billy, y seis de Michael.

Carlos Hipólito. En ‘Billy Elliot’, la historia es que hay un niño que quiere ser… Es un pueblo minero del norte de Inglaterra, donde un niño, de repente, en vez de minero o boxeador, quiere ser bailarín. Está todo el mundo: «Uy». Tiene un amigo, que es Michael, que es otro personaje de la obra, que es un niño al que le gusta vestirse de chica. Claro, son dos personajes que son como dos farolillos rojos en esa sociedad, ese pueblo minero muy cerrado. La obra es preciosa porque lo que cuenta la obra es que, precisamente, da un mensaje de tolerancia porque, al final, todos los del pueblo están con Billy, con Michael, los apoyan a los dos, los quieren, les ayudan y defienden. Es una historia preciosa de superación personal y cómo conseguir un sueño casi imposible, y eso hace que la obra sea muy hermosa. Pero bueno, volviendo a lo de los niños y a la escuela, estos niños… Os cuento un poco el argumento de la obra para que entendáis que los niños tienen unos personajes, que tienen escenas muy potentes dramáticamente que también tienen que interpretar hablando y cantando. Tienen canciones que algunas son muy emotivas y que se tienen que cantar con mucha emoción. Y entonces estos niños, realmente, han hecho un trabajo brutal. Yo creo que se han ganado a pulso estar cada día en ese escenario porque son muy trabajadores, muy disciplinados, siguen siendo niños, siguen siendo gamberros y haciendo cosas, a veces, que no tienen que hacer. Pero son muy disciplinados y es maravilloso trabajar con ellos. Yo creo que el hecho de que se haya creado esta escuela Billy Elliot, que llevando ya un año en cartel la obra, algunos están creciendo demasiado ya para el papel. Y ese es el drama que tenemos ahora, porque, claro, algunos de los que han trabajado tan duro tienen que dejar de hacer la obra porque ya tienen un aspecto de más mayores. Entonces, todos están queriendo no crecer, todos se achican, se agachan, van como haciéndose los pequeños. ¿Eso qué quiere decir? Que están entrando en la escuela Billy Elliot nuevas hornadas de niños preparándose para la segunda y tercera temporada del espectáculo que, afortunadamente, como va muy bien de público, va a seguir en cartel.

Carlos Hipólito. ¿Eso qué quiere decir? ¿Por qué decía yo que me siento muy orgulloso? Primero porque se está ofreciendo al público, que hay que tenerle mucho respeto, un muy buen trabajo. El público se queda con la boca abierta viendo como estos niños y estas niñas bailan, cantan y actúan de una manera tan impecable. Pero, por otro lado es que yo creo que estamos contribuyendo a crear una generación de intérpretes con una preparación extraordinaria que, desde luego, los de mi generación ni de broma, pero incluso los de generaciones posteriores en la mía tampoco han tenido. Porque, claro, estamos hablando de que, dentro de veinte años, habrá un mínimo de cien, porque claro entre chicos y chicas, yo solo lo de los niños, entre chicos y chicas hay sesenta y cinco niños contratados en Billy Elliot, porque solamente hacen dos funciones a la semana y se van turnando para hacer funciones. Entonces, cada día hay doce niños en escena, ocho niñas y cuatro niños. Esos doce están multiplicados por cinco porque tiene que haber cinco repartos completos para poderse turnar. Son sesenta niños, más unos cuantos que hay de suplentes por si acaso. Son más o menos sesenta y cinco niños que, en el futuro, va a agrandarse ese número porque habrá otros. Lo cual quiere decir que, dentro de veinte años o de diez años, de quince, habrá ciento y pico actores y actrices en este país que cuando se presenten a una audición llevarán una preparación encima que vamos. O sea, los actores son, habitualmente, profesionales que están ahora mismo haciendo… han tenido que prepararse por su cuenta y que no tienen esa preparación tan completa. O sea, que creo que la Escuela Billy Elliot, yo creo que ha contribuido y está contribuyendo a, primero dar un espectáculo de muy buena calidad y luego, también, a crear una generación de gente muy preparada, que para este oficio es estupendo.

Almudena. Me llama mucho la atención que hayas tenido la posibilidad de trabajar con tu hija. ¿Cómo se compatibiliza la paternidad con el escenario?

Carlos Hipólito. Pues, en nuestro, caso muy bien y de una manera muy cómoda y muy feliz. Mi hija tiene ahora dieciséis años. Está estudiando primero de bachillerato y, a parte del colegio, está estudiando danza, en una academia, y está tocando piano. Es decir, que le gusta mucho toda la cosa artística. Pero es que ya con… Ella hizo las audiciones para Billy Elliot, la, digamos, seleccionaron y hace un personaje ahí en la función. Pero es que ya con diez años, cuando yo hice un montaje de Sonrisas y lágrimas, yo hacía el Capitán Von Trapp, y ella con diez años hacía una de mis hijas pequeñitas. Entonces, ya con diez años trabajamos juntos. Recuerdo el primer día que… Mi hija es muy lista, está mal que lo diga yo que soy su padre, pero ella es muy lista, es muy lista emocionalmente hablando, quiero decir. Y entonces, cuando fuimos el primer día al teatro al primer ensayo que íbamos juntos, íbamos de la mano, tenía diez años. Y justo cuando estábamos a punto de entrar en el teatro me dijo: «Papá, ahora ya suéltame la mano porque ahora ya somos compañeros», ¿a que es fantástico? Y yo me quedé un poco y digo: «Pues bueno, nada, pues vale. Nada, fenomenal». Tengo que decir que mi mujer es actriz también, pero ni su madre ni yo fuimos los que propiciamos eso. Que ella trabajara con diez años conmigo en aquel musical en la Gran Vía fue una casualidad, porque los productores habían venido a verme a mí al teatro un día a una función que estaba haciendo, ella estaba ese día acompañándome a mí en el teatro, porque muchas veces se viene conmigo y está en el camerino, o entre cajas o tal. Y entonces al verla le dijeron: «¿Tú cantas?», y ella dijo: «Bueno…». Entonces, claro, le dijeron: «¿Te gustaría hacer una prueba para hacer de hija de tu padre en un musical?». Claro, yo me quedé mirando al productor como diciéndole: «Esto pregúntamelo a mí antes que a la niña, porque claro, ahora, suponiendo que yo no quisiera… Ahora ya quién le quita de la cabeza que lo haga, ¿no?». Bueno, yo no me opuse, por supuesto, qué tontería, ¿por qué no?, y su madre tampoco. Entonces, ella hizo aquella función, y trabajar con ella es muy mágico. Porque claro es muy emocionante, porque yo nunca pensé que me iba a encontrar con mi hija en el escenario.

Había una escena, por ejemplo, en ‘Sonrisas y lágrimas’, en la que el padre este que hacía yo, el capitán, se había quedado viudo, entonces en una casa en la que se cantaba mucho, y que los niños cantaban con la madre, él, por el dolor de haber perdido a su mujer, prohíbe la música. Él es un militar y prohíbe la música en la casa. Entonces, de pronto, llega esta institutriz que vuelve a traer la música esa casa, y entonces les enseña una canción a los niños, y un día el padre los pilla cantando. Y entonces, había la escena en la que yo muy severo tenía que mirarles, hacerles callar y, entonces, parecía que les iba a echar una bronca, es decir: «¿Cómo estáis cantando aquí? Lo he prohibido, esto no se puede hacer». Y entonces en la obra estaba escrito que uno de los niños, que estaba tocando una guitarra, le daba la guitarra al padre, en ese silencio tremendo, y entonces yo tenía que coger la guitarra, entonces, me queda como pensando, era una pausa larga, y, de pronto, me arrancaba cantar. Entonces, no solamente me ponía a tocar la guitarra, sino que empezaba a cantar, los niños empezaban a cantar conmigo y aquello era una cosa muy emotiva. En fin, todos llorando… Y el día del estreno, al director de la obra no se le ocurrió otra cosa que que la guitarra me la diera mi hija, que no estaba montado así. Y entonces, yo cuando vi a mi hija en ese momento tan emotivo de la obra, yo muy serio y veo a mi hija que viene con la guitarra, me la da, y veo a Elisa, que es como se llama mi hija, que me da la guitarra. A mí se me hizo una bola que no podía hablar, que no podía articular palabra, digo: «Pues ahora he fastidiado el estreno, porque yo ahora soy incapaz de cantar ni de abrir la boca ni de decir nada». Consecuentemente, aquella pausa duró una eternidad, hasta que yo pude respirar. Porque, claro, era muy emocionante ese momento para mí. Entonces, ya arranqué a cantar. Y luego, todo el mundo nos dijo: «Vaya momentazo que habéis conseguido, qué maravilla», digo: «¿Sí? Pues yo casi estaba a punto de que me diera un infarto». Ahora que mi hija tiene dieciséis años y está en Billy, ella ya es parte, digamos, casi del elenco adulto, porque ya está como con las mayores, y la verdad es que nos entendemos muy bien. Yo tengo la suerte de que Elisa es muy respetuosa, eso se lo hemos enseñado Mapi… o sea, su madre y yo a nuestra hija. El respeto por el escenario, el respeto por el público, el respeto por este trabajo, que no se va ahí a jugar, que se va a trabajar, que te lo puedes pasar muy bien trabajando, pero que tienes que trabajar y que tienes que estar concentrado y que tienes que estar en silencio cuando se está entre cajas, y que tienes que estar muy concentrado con lo que haces… Y ella es muy respetuosa con todo eso, consecuentemente, yo no tengo más que palabras de admiración por mi hija, porque encima baila muy bien, canta muy bien, lo hace muy bien. O sea, que está siendo una experiencia maravillosa. Pero, curiosamente, el año pasado, antes de estrenar Billy, o sea, un año antes de hacer Billy, yo estuve haciendo una comedia que se llamaba La mentira, una comedia francesa, con mi mujer, donde trabajamos los dos juntos. O sea que yo, o con mi mujer o con mi hija siempre estoy en familia. Es una maravilla el teatro para mí.

Yo quería preguntarte… Leyendo una entrevista que decías que no te gustaba tú voz, ¿cómo se puede pasar de odiar tu voz a convertirte en la voz de la serie casi más famosa de la Televisión Española?

Carlos Hipólito. Siempre pensé que quería tener una voz profunda, grave, una voz azul marino. ¿Sabes? Esas voces como graves… Porque, claro, por un lado, yo cuando era jovencito tenía la voz más atiplada. Entonces, me parecía que era una voz como muy blandita, no me gustaba. Y entonces por eso la odiaba. Y no te digo nada… No sé si os pasará a vosotros. Ahora estáis más acostumbrados, porque con los móviles estamos todo el día grabándonos. Pero, cuando yo era pequeño y me grababan en un magnetofón, en un casete o algo y yo me oía hablar, yo decía: «Pero ese no soy yo, pero qué mal, qué horror, pero esa voz no es la mía. Pero qué horror, ¿esa es mi voz? Nunca me darán ningún papel, no me contratarán nunca para nada», porque nunca me gustó mi voz, es curioso. Y mira tú por dónde, resulta que la vida profesional me pone de narrador de la serie que más dura en este país, que es Cuéntame, y llevo diecisiete años o dieciocho, diecinueve temporadas siendo aquel que dice: «En 1970, España estaba no sé qué, no sé cuántos». Y, claro, consecuentemente, esa voz pues se ha hecho conocida, la gente la conoce, la reconoce y me pasan cosas muy graciosas. Me pasan cosas, por ejemplo, de gente que me dice: «Dígame usted algo», por la calle. Y digo yo: «¿Cómo que le diga algo, que le diga qué?», «No, dígame algo con la voz de Cuéntame». Y entonces yo que soy bien mandado, pues digo: «Pues bueno». Entonces, me ves a mí diciendo: «Los Alcántara íbamos por la calle y saludábamos a las personas que no sé qué», y se pone muy contenta. Y mi mujer, que está al lado, por ejemplo, ese día me dice: «¿Quieres dejar de hacer el ridículo?».

O sea, que bueno, me han pasado cosas muy graciosas con esto de la voz, porque sé que a mucha gente le gusta mucho. Ahora yo ya me he acostumbrado un poco a mí, también es verdad que la voz que yo pongo en Cuéntame no es exactamente la voz que yo utilizo hablando aquí. De hecho, mucha gente dice: «No te reconozco». Porque yo en Cuéntame pongo la voz un poquito más así, un poquito más campanuda. También, por otra parte, porque cuando me ofrecieron aquel trabajo, en su momento, pensé: «Oye, suponiendo que esto tenga éxito, yo no quiero luego, cada vez que abra la boca, que digan: “Mira, es Carlitos Alcántara”», ¿sabes? Porque si estás haciendo Macbeth o Hamlet pues igual como que no pega mucho. Entonces, mira, es algo que me hace reflexionar sobre algo que nos pasa, yo creo, a todos. Hay tantas cosas que tenemos cada uno que no nos gustan ¿verdad?, y que, sin embargo, los demás nos dicen que les gustan. Y tú dices: «¿Pero cómo le puede gustar esto mío si es un horror». Porque estamos obsesionados, a veces, con tonterías, con cosas que uno piensa… que tiene un grano aquí, que tiene la nariz torcida, que tiene una voz fea, que tiene un no sé qué, que las manos son no sé cómo, que las uñas no sé cuántos. Yo que sé, a cada uno el fantasma que quieras sacarle, porque todos lo tenemos. Todos hay algo que no nos gusta de nosotros. Mi consejo es que hay que olvidarse de eso, porque lo que menos te gusta de ti, puede ser lo que más le guste a los demás. Así que fíjate. Y ahora, ya te digo, yo ya me acostumbrado un poco a escucharme y me tolero, pero aun así a veces digo: «¿Porque no tendré…?», oigo tíos hablando así, con una voz de esas así, y digo: «¿Por qué no tendré yo esa voz, por Dios?». Pero bueno, no se puede tener todo.

Jesús. Hola, Carlos. Soy Jesús. Los actores tenéis que trabajar con jóvenes, niños, como en Billy Elliot. ¿Qué crees o qué observas en los jóvenes y niños que podamos aprender los mayores?

Carlos Hipólito. Muchísimas cosas, pero muchísimas cosas. Mira a mí estar cerca de… ya me ha pasado en otras cosas, porque series de televisión, por ejemplo, me ha tocado hacer de padre de niños pequeños y he tenido que convivir con ellos muchas horas y tal. Pero aquí, en Billy, que hay tantos niños y tantas niñas y de distintas edades, yo te diría que me está, no solo a mí, a todos los que estamos ahí, nos está enriqueciendo enormemente. Porque vosotros aportáis algo a las cosas en las que participáis, que vosotros no dais cuenta, pero son muy valiosas, que es una frescura, una naturalidad a la hora de enfrentarse con las cosas, sinceridad a la hora de valorar, por ejemplo, el trabajo. Son un público mucho más duro, porque generalmente decís lo que pensáis, y si algo te aburre, pues dices que te aburre y no pasa nada, además está muy bien y seguirlo haciendo. Pero, por otro lado también, a mí el trabajar con estos niños y estas niñas que están en Billy, que tienen tanta ilusión por lo que están haciendo y que lo están peleando tan duro y que les está costando tanto esfuerzo, me está poniendo en contacto con algo que es muy bonito, que es como… te hacen recordar por qué un día tú quisiste dedicarte a esto. Yo sigo vibrando con… y creo que se me nota que me gusta el trabajo de actor y es una cosa que me apasiona, cuando hablo de ello. Pero, quieras que no, hay ilusiones y entusiasmos que se matizan un poquito con el tiempo, porque la vida ya se va encargando de darte así tobillas, de vez en cuando. Y entonces pues bueno, bajas un poco, a lo mejor, de repente, el entusiasmo, muchas veces, con las cosas. Pero yo creo que a todos los que hacemos Billy, trabajar cerca de jóvenes nos está dando una inyección de vida enorme.

Me gustaría saber si tienes algún referente en el mundo del teatro o del cine.

Carlos Hipólito. Yo tuve muy buenos muy buenos maestros. Esa es otra suerte que tuve. Antes decía que había tenido suerte de saber lo que me gustaba, de poderme dedicar a ello, de que haya tenido continuidad en el trabajo, pero también tuve mucha suerte de que… Porque, cuando yo empecé, entré en una escuela donde los profesores eran directores ya de teatro y me enseñaron cosas estupendas. Fueron un coreógrafo americano que se llamaba Arnold Taraborrelli, bueno que se llama Arnold Taraborrelli, que es un gran maestro, que me enseñó a estar en un escenario, más allá de que diéramos clases de baile y estas cosas. Él nos enseñaba que si tú estás aquí, de pie, y entra alguien por ahí y se te acerca, esa persona desplaza un aire, hace que se mueva el aire, y el aire que hay entre tú y el otro no es el mismo cuando él llega y según se va acercando. Consecuentemente, la manera en la que se acerque modificará tu posición en el escenario. Sí esa persona se te acerca muy deprisa, generalmente, tú haces así, te separas un poco. O, por ejemplo, me enseño una cosa estupenda, y esto os lo cuento a los que hacéis teatro para que sepáis esto siempre. En el escenario, a veces, no os ha pasado que dices: «No sé qué hacer con las manos. Dios mío, ¿dónde coloco las manos? No sé qué hacer», para no hacer así o no gesticular mucho. Una vez se lo comente yo a Arnold este tema, y me dijo: «Tus brazos siempre estarán bien puestos si tú desde donde estés, sin moverte mucho, mirando así de reojo los ves. Si no los ves, están mal». ¿Eso qué quiere decir? Que si tú estás así, tú no ves los brazos. Pues están mal, esta postura es rara, ¿a que sí? Es más normal esta. O, por ejemplo, tú tienes que decir: «Ha ido por allí». Pues si tú dices: «Ha ido por allí», claro, ya está mal porque tú no lo ves, es mejor ahí. Bueno, esas cosas, que son tonterías, hacen que tu actitud física en el escenario y tu postura sea más armónica, y, por ejemplo, de Arnold, que era uno de mis maestros, yo aprendí eso.

De William Layton que era mi otro maestro americano, que tuvimos la suerte de que viniera aquí a enseñarnos, aprendí que el mejor trabajo es el que no se nota. Es decir, que no hay que salir al escenario y decir: «Lo que me está costando esto. Mira cómo sudo, mira qué voz tengo, mira cómo me muevo, mira…», no, no, no. El mejor trabajo es el que hace que el espectador que te está viendo piense: «Pero este no está haciendo nada, no. Este es que es así». O sea que se lo crean. Él me decía una cosa, Layton decía una cosa preciosa, decía: «Ojalá mientras te esté viendo la gente…». Decía: «Carlitos…», porque él hablaba con acento americano. Decía: «Carlitos, ojalá la gente cuando esté viéndote no diga: “Qué buen actor es”, lo que tiene que decir mientras te está viendo es: “Pobre hombre, ¿qué le está pasando?”. Y luego, cuando se haya terminado la obra, que digan: “Qué buen actor era, que me lo creí”, pero mientras te están viendo tienen que estar viendo al personaje, no al actor». Entonces, en ese sentido, nos enseñó que cuanto más sencilla es una interpretación, cuanto más realista, mejor, y no hay que hacer grandes cosas ni exageraciones. Y luego, otro de mis grandes maestros por Miguel Narros que es un director con el que hice once montajes, llegué a hacer con él once montajes, que me enseñó también mucho de esa magia de la que yo hablo tanto. Porque era un hombre lleno de ideas, que tenía un bombardeo de imágenes en la cabeza y nos ayudaba mucho. Y tener la suerte de tener grandes y buenos maestros es algo estupendo, porque te enseñan, no solamente a hacer bien tu trabajo, sino a estar en un oficio. Porque uno puede ser buen actor, mal actor, regular actor, lo que sea, pero hay que saber qué tipo de actor quieres ser. Hay gente que se acerca este oficio solamente porque piensa que le va a hacer famoso y que con eso se van a hacer famosos. Esos, los que se acercan así, están abocados al fracaso seguro. Porque, ¿sabéis qué? Que suponiendo que mañana os cojan para una serie de televisión y esa serie tenga mucho éxito, y os conozca todo el mundo por la calle, y os vean y os pidan fotos y selfies todo el rato y tal, cuando se acabe la serie, eso se acaba. Si alguna vez pensáis en dedicaros a este oficio, así con el tiempo y tal, lo que tenéis que pensar es que tenéis que llegar a ser mayores haciendo esto, y que no hace falta hacerse muy famoso de entrada y de golpe, sino que poco a poco, que tu trabajo vaya dejando ahí un… Lo importante es tener continuidad en el trabajo. Y eso se consigue a base de hacerlo lo mejor posible siempre, no pensando tanto en el resultado que eso va a tener de cara a la galería. Porque los actores somos actores, no somos famosos.

Bueno, a estas alturas sabemos que eres un gran actor.

Carlos Hipólito. Bueno.

Y que has recibido un montón de premios y de reconocimientos públicos por tu trabajo. Y quería preguntarte qué es para ti el éxito y qué es para ti el fracaso.

Carlos Hipólito. Uy, qué buena pregunta esa. Pues mira, para mí el éxito igual no es eso que se identifica con el reconocimiento. Tendemos a pensar que alguien que tiene éxito es alguien que es muy celebrado por su trabajo, y que se le aplaude mucho, y que es muy conocido y que es muy famoso, y que tal y cual. Para mí el éxito es otra cosa. O sea, eso es algo que sé que existe y, por supuesto, no me voy a poner ahora en plan purista a decir: «Esto no me interesa», no. También me gusta, claro, porque a todos nos gusta que nos digan que lo que hacemos funciona y que le gusta a los demás, pues claro. Pero, yo es que no es eso lo que voy buscando. O sea, eso me encanta si se produce y me hace feliz enormemente, pero no es eso lo que voy buscando. Yo lo que voy buscando, la mayoría de las veces, es metas pequeñitas. Para mí el éxito es, estoy hablando profesionalmente, es conseguir, ir cubriendo metas pequeñas que yo me voy poniendo a mí mismo. Por eso yo salto tanto de un género a otro, porque no me gusta estancarme, y entonces, si digo: «Ahora he hecho comedia y les ha gustado, bueno pues ahora voy a intentar hacer drama». Cuando estoy haciendo drama: «Voy a intentar hacer tele. Pues voy a intentar hacer musical. Pues ahora me voy a poner a cantar, a ver qué pasa». Ponerme en riesgo permanentemente. No quedarme en una zona de confort, porque yo creo que eso te achata un poco como artista. Entonces, para mí el éxito es cuando yo sé que algo de lo que yo he hecho ha conseguido llegarle a la gente. Y, a veces, es un reconocimiento muy humilde. Mira, te voy a contar una historia que la conté una vez y creo que esta la escribió alguien en un sitio, pero es que es una historia muy bonita que me pasó a mí y que define mucho esto de lo que estoy hablando. Yo he dicho muchas veces que para mí lo mejor que me puede pasar como actor es que alguien me diga después de verme: «Eso me ha pasado a mí», ¿sabes? O sea que se reconozca en lo que yo he hecho, porque eso quiere decir que el personaje se lo ha creído y que le ha conmovido, y, finalmente, yo para lo que salgo a un escenario es para eso, para que pase eso.

Entonces, una vez me pasó que yo estaba haciendo una obra que se llama ‘Historia de un caballo’, que es un cuento de Tolstoi, que es un autor ruso, que se adaptó para teatro y se hacía en formato de musical, tenía canciones y bailes y tal. Entonces, los actores hacíamos de caballos, y el personaje protagonista, que es el que me dieron a mí, era un personaje que se llamaba Patizanco, que era un caballo pura sangre de muy buena raza que nacía pío. «Pío» quiere decir que nace manchado, con manchas, que tenía manchas. Eso, como pura sangre, le quitaba todas las posibilidades de competir en concursos, etcétera, porque ya era un caballo defectuoso. Y, por ese hecho, a ese caballo la manada le daba la espalda, y los hombres lo utilizaban para trabajos durísimos y le quitaban de lo bonito que era correr en las carreras, etcétera. Entonces, era la historia de un tipo marginado. Finalmente, lo que contaba la obra era la historia de un marginado por ser diferente, y que los demás le dejaban de lado. Y yo hacía ese personaje. Era un personaje muy bonito. Trabajamos mucho el cómo hacer de caballos, porque, claro, un hombre a cuatro patas puede ser un gato o un perro, pero nunca un caballo. Porque un caballo tiene el cuerpo aquí, luego tiene un cuello enorme, una cabeza grande… Es decir, la morfología no tiene nada que ver con la del ser humano. Pero nosotros intentamos hacer, con nuestro cuerpo, la parte delantera del caballo. Entonces, hacíamos una serie de movimientos que nos hacían como… Bueno, trabajamos con un mimo maravilloso, José Piris, un tipo extraordinariamente talentoso que nos ayudó mucho a hacer aquello.

En esa obra, haciendo eso, yo tenía unos monólogos enormes, larguísimos, que yo contaba al público mi triste historia, lo que me pasaba, etcétera. Un día, que yo llegué a ese teatro a hacer la función, me dieron una carta que me habían escrito. En esa carta, cuando yo la abrí, no había firma, no lo firmaba nadie, pero ponía: «Hola, señor Hipólito. Quería darle las gracias por haber contado mi historia. A mí también, de pequeño, la manada me dio la espalda», eso ponía. Yo me quedé… Digo: «Caray, ¿y esto?». Y no había un teléfono donde poder llamar, donde poder dirigirme, una dirección, nada. Entonces, yo pensé: «Bueno, realmente esto da sentido a que yo sea actor, a que yo haya hecho esta obra. Porque ha pasado, exactamente, lo que yo siempre he soñado con que pasara, que alguien dijera: “Jope, eso me llega”». Entonces, dos días después de esta carta que yo leí, llego al teatro y la entrada de actores está al lado de la taquilla en ese teatro, y había un tipo, un señor en una silla de ruedas, con una parálisis cerebral, tetrapléjico, no se podía mover. Él me dijo: «Señor Hipólito, señor Hipólito», entonces yo me acerqué, y me dijo: «¿Le llegó una carta?», y dije yo: «Este hombre es el que me ha escrito la carta». Y entonces me dijo: «Es que quería darle las gracias en persona porque había visto muchas historias de marginados, pero nunca había visto que alguien contara mi historia, y usted cuenta mi historia, y le quiero dar las gracias». Yo, o sea, es que me derretí allí, en aquel momento, yo le dije: «Usted acaba de dar sentido a mi vida». Pues eso es el mayor éxito profesional que he tenido yo nunca. Y tengo un montón de premios, me han hecho críticas buenísimas y todo lo que tú quieras, y me han aplaudido mucho en noches de teatro mágicas y maravillosas. Pero para mí ese éxito, que no lo puedo poner en una vitrina ni lo puedo poner en una estantería, pero ese recuerdo de lo que ese señor me regaló a mí ese es el éxito para mí, os acabo de contestar. Para mí eso es el éxito.

Graciela. Hola, Carlos. Soy Graciela. Me gustaría que compartieras con nosotros una lección de vida. De toda tu trayectoria profesional, ¿con qué te quedarías y por qué?

Carlos Hipólito. Pues mira, yo la lección de vida más grande, para mí me la dieron mis padres. Mis padres que ya no están… Bueno, sí están, porque conmigo siguen estando, aunque no estén físicamente. Fue: «Intenta siempre ponerte en el lugar del otro». Y este oficio me ha ayudado a ponerlo en práctica. Porque, a la hora de estudiar personajes, he tenido que entender por qué gente se comporta de esa manera, y, consecuentemente, eso me ha hecho pensar, muchas veces, por qué alguien hace algo que me molesta o que me ofende o que me agrede, pues intentar entender por qué lo hace, y que, a lo mejor, yo puedo incluso ayudarle. No solamente no ponerme en frente… Es decir, esto suena a que yo voy de santo por la vida, tampoco es así. Pero, yo creo que esa lección de tolerancia y de ayudar a los demás que me dieron mis padres, que esos sí que eran dos santos realmente, a mí me ha ayudado en la vida a intentar crear un buen rollo a mi alrededor. Eso es otra cosa en la que me insistían mucho: «Intenta, por donde pases, dejar buen recuerdo. Intenta, por donde pases, que la gente quiera volver a verte. Que tenga ganas de, algún día, volverse a encontrar contigo, aunque sea de casualidad». Y no que digan: «Qué horror esta persona, a ver si no me la vuelvo a encontrar nunca». ¿Eso cómo se consigue? Pues intentando… No cuesta tanto hacerle la vida agradable a los que tienes alrededor. Tampoco se trata de que tengas que ir diciéndole a la gente lo que quieren oír todo el rato, no es eso. Ni de ser hipócrita tampoco, no. Se trata de prescindir, muchas veces, de lo que sería tu cosa básica de: «Ahora yo lo que quiero es darme la vuelta e irme», pues no, me voy a quedar, porque esta persona, yo tengo la sensación de que quiere que me quede un rato. Pues me quedo, no pasa nada. Yo creo que si todos hiciéramos eso seríamos muchísimo más felices, habría muchísimos menos conflictos, habría muchas menos guerras, y estaríamos todos muchísimo menos enfadados, y sería todo muchísimo más fácil.

Es que yo insisto, y yo también tengo malos momentos, y tengo, a veces, muy mal genio, y todo eso. O sea que no me estoy poniendo de ejemplo de nada, en absoluto. Pero sí es verdad que creo que si todos hiciéramos un mínimo esfuerzo por intentar no ser tan egoístas a la hora de pensar y solo pensar en lo que nos pasa a nosotros, lo que nos han hecho, lo que nos han dicho, lo que nos han no sé qué, yo creo que sería todo muchísimo más fácil. Pues el teatro a mí me ha ayudado a entender eso más. Muchas gracias.