La música: un regal per als teus fills

Ana Alcaide. Soc l’Ana Alcaide i la música és el meu vehicle per arribar a la bellesa, el diàleg i la trobada.

Amaia Pérez. Ana Alcaide, benvinguda.

Ana Alcaide. Moltíssimes gràcies.

Amaia Pérez. Quina meravella, que bonic.

Ana Alcaide. Encantada.

Amaia Pérez. Soc l’Amaia Pérez i soc aquí per parlar amb tu avui sobre música i sobre intercanvi cultural. Moltíssimes gràcies per estar aquí amb nosaltres.

Ana Alcaide. Estic encantada.

Amaia Pérez. Bé, Ana, jo soc professora de música i violinista i no em resisteixo a preguntar-te per l’instrument que tenim aquí avui, la nyckelharpa. Ens podries parlar una mica més d’ell i de la teva trajectòria, de la teva història?

Ana Alcaide. La nyckelharpa és un instrument d’origen suec, d’origen molt antic. Els primers vestigis que tenim de l’instrument són del segle catorze. Des d’aquesta època, l’instrument ha anat evolucionant i els suecs s’atribueixen la seva autoria. És allà on es va desenvolupar, on ha evolucionat durant tots aquests segles i s’ha desenvolupat en una zona molt concreta de Suècia, que és Uppland, que està com en el centre sud. Aquí només hi ha boscos de pins i d’avets, que és de les fustes amb les que construeixen les tecles i el cos de les nyckelharpas. I és un instrument molt ancestral i que té un repertori propi relacionat amb la tradició sueca.

Si tu vas a Suècia a una reunió de ball i de música, segurament veuràs nyckelharpistes tocant danses, tocant polques i tocant valsos, que són les peces, el repertori tradicional associat a l’instrument, un repertori que ha estat transmès de forma tradicional de tu a tu d’oïdes, com es fa amb aquestes músiques i que encara segueix viu, a Suècia encara es conserva l’instrument, es toca. De fet, hi ha hagut un petit ‘boom’ en els últims anys perquè és un instrument molt versàtil. L’instrument té files de teclats, quatre files de tecles i cada tecla correspon a una nota diferent. És com si en comptes de posar el dit directament sobre la corda d’un violí o d’una guitarra, premessis una tecla per produir la nota. Alhora es toca amb un arc.

Llavors és un instrument molt versàtil, cromàtic, amb més de tres octaves. I per això en aquest petit ‘boom’ que dic que hi ha hagut en els últims anys, s’està traient de la música tradicional sueca i s’està tocant altres tipus de música amb ell i introduint-lo en altres contextos musicals. Els suecs estan molt orgullosos de les seves nyckelharpas. De fet, la nyckelharpa és l’instrument nacional suec.

En suec, “nyckelharpa”, que és així com es diu la paraula, significa arpa de claus, “nyckel” és clau i fa al·lusió al teclat, als teclats i “arpa” és una paraula antiga per denominar de forma genèrica un instrument. Jo vaig tenir la sort de conèixer la nyckelharpa gràcies al fet que em van donar una beca per estudiar a Suècia. Quan jo estava estudiant biologia vaig tenir la sort de viatjar a Lund, que és una ciutat que està al sud de Suècia, i allà vaig passar un any, un any estudiant ocells, perquè jo estudiava etologia i durant les estones lliures, a les tardes, vaig tenir la sort de poder participar en reunions musicals. Allà vaig quedar fascinada quan vaig veure una nyckelharpa, em vaig enamorar totalment de l’instrument i vaig decidir, quan vaig tornar a Espanya, emprendre un camí en solitari de voler aprendre’l pel meu compte. Jo ja havia estudiat música quan era petita. Jo vaig estudiar violí. Vaig començar amb set anys. Vaig estudiar primer en una acadèmia de música i després vaig estudiar al conservatori.

El que passa és que amb catorze anys o quinze ho vaig deixar de forma radical. Vaig tancar el meu estoig de violí i es va quedar així durant deu anys. Jo recordo que, amb aquesta edat, amb catorze, quinze anys, jo ja havia d’estudiar molt, havia d’anar al conservatori, recordo. Tenia una professora que no m’agradava perquè era molt seriosa i no tenia aquest component de gaudi, de diversió. I jo penso que per això ho vaig deixar. Va ser gràcies a aquest viatge a Suècia, gràcies al fet de conèixer la nyckelharpa, com he pogut tornar a connectar amb la música. Potser des d’un lloc més personal i on he estat més còmoda, connectant amb les músiques d’arrel amb les que em sento amb molta afinitat.

I la nyckelharpa jo la considero que ha estat, jo diria el meu arc amb el que he començat a llançar fletxes, amb el qual m’he començat a expressar. Ha estat el meu detonant creatiu, el meu escut també, perquè funciona molt com un escut, la meva inspiració i des d’aquí he pogut treure, a poc a poc, el meu costat creatiu, a expressar-me jo com qui soc, com entenc el món. La nyckelharpa té un esperit una mica diferent al violí, perquè és veritat que aquest so ancestral, aquest so més rústic i més antic, va una mica més amb el meu caràcter. És una mica més greu també. El violí considero que és un instrument més solista, més brillant, més juganer, i jo no tinc tant aquest caràcter. Llavors, m’agrada que la nyckelharpa m’hagi ajudat a treure aquest costat creatiu meu. Així que estic molt agraïda.

Amaia Pérez. També, Ana, la gent et coneix perquè t’ha vist tocar als carrers de Toledo i sent com ets ara, una compositora consolidada i amb un renom, continues tocant als carrers, ens expliques una mica per què ho segueixes fent?

Ana Alcaide. Vaig començar a tocar al carrer amb vint anys, quan vaig tornar de Suècia, d’aquest viatge i vaig decidir tornar a estudiar música, ho vaig fer al conservatori de nou amb el meu violí i els caps de setmana volia aprendre a tocar la nyckelharpa. Llavors era la meva manera de finançar-me aquests estudis musicals sense haver de començar a treballar o fer altres coses que em desviessin del meu interès i del meu desig. Recordo que jo treia les meves partitures els caps de setmana i em posava a tocar, tots els que viuen a Toledo estan cansats de veure’m i el que va començar sent una experiència enfocada a aquest objectiu, va acabar agradant-me i, de fet, ho gaudeixo molt, m’agrada molt tocar al carrer.

Per mi, cada vegada que surto a tocar, és com emprendre una petita aventura en què no sé amb qui em trobaré, no sé les situacions amb què hauré de lluitar, les persones amb les que estaré. I té molt a veure amb el fet de començar de zero cada vegada que ho fas, amb el fet de crear el moment, crear la realitat, té a veure també molt amb el meu esperit aventurer i també rebel de no buscar sempre allò establert. I m’agrada sempre tenir-ne molta cura. Necessito fer-ho en un entorn que m’inspiri. No puc tocar en qualsevol lloc. He de sentir-me bé i m’agrada cuidar molt els detalls. M’agrada tenir cura de com em vesteixo, els detalls d’una tela que poso, m’agrada aportar bellesa fent música i compartir-ho amb els altres. Per mi també té una funció, ho sento com una funció de servei, igual que tu estàs a l’aula ensenyant als nens música, jo estic al carrer tocant un instrument antic, divulgant aquestes músiques i aquest instrument. És com jo em sento còmoda. El carrer per a mi ha estat la meva gran escola, amb diferència, sempre ho dic. M’ha ensenyat moltíssim sobre la gent. M’ha ensenyat molt de com la gent entén la música, de com es percep la música des de fora, perquè moltes vegades tu, com a músic, tens una percepció de com és la música o com hauria de percebre-la la gent i no té res a veure moltes vegades.

Llavors això m’ha posat molt al meu lloc, m’ha posat molt amb els peus a terra. I hi ha una cosa que també m’ha ajudat molt de tocar al carrer i em segueix ajudant cada vegada que ho faig i és el fet de treballar aquesta idea de què pensaran els altres de tu. Tocar al carrer té clarament unes connotacions socialment negatives i està associat a manca de recursos, manca de mitjans, manca de possibilitats i està clar que té un pes molt gran quan estàs al carrer i pots pensar: “Què pensaran els altres de mi quan em vegin aquí, tocant aquí? Quina imatge estic donant? Què passa si em veu en tal? Què passa si ve algú?”. Llavors, això té un gran pes, té un gran pes en general en les nostres vides. I quan estàs tan exposat, doncs en té més encara. Llavors m’ha ajudat molt perquè és el fet de treballar el judici extern, deixar-lo fora i enfocar-te en la teva experiència musical. Realment com funciona és així, és quan tu estàs enfocat en la teva música, estàs centrada en tu, en la teva melodia, en el teu sentir, és quan pots transmetre alguna cosa als altres i deixes passar tot això de què pensaran els altres o distreure’t per alguna cosa que passa o… la ment ens juga molt males passades i això a més m’ha ajudat molt a l’escenari, perquè moltes vegades estic en un teatre, en un concert, i moltes vegades evoco aquest lloc del carrer on he treballat tant això. Em poso una altra vegada a Arc de Palau, que és un dels llocs on gairebé sempre acostumo a fer quan toco a Toledo, m’agrada molt aquest lloc, i em torno a veure aquí, intento reproduir aquesta sensació d’estar dins meu, d’estar inspirada, perquè és un lloc que m’encanta, m’agrada moltíssim, i de centrar-me en aquesta sensació d’estar dins meu. I això és una visualització que faig moltes vegades a l’escenari quan estic tocant en altres llocs. M’ha ajudat molt.

Amaia Pérez. Aquest esperit aventurer del qual ens parlaves, m’imagino que és el que t’ha portat a viatjar moltíssim i conèixer altres països, tocar amb altres artistes, compondre amb altres persones. Què ens podries explicar d’aquestes experiències i del que t’ha aportat viatjar tant?

Ana Alcaide. Viatjar sempre m’ha agradat. Jo penso que és una cosa, quan estava embarassada, que tenia com por a volar, la resta de les experiències que he tingut viatjant han estat meravelloses i les recordo amb moltíssim afecte i em sento, com dic, molt afortunada per tenir la música com a vehicle per poder conèixer el món. Per mi és l’eina amb la qual aprenc i gràcies a la música he arribat a conèixer persones meravelloses, he arribat a descobrir realitats que estan molt lluny de la meva. Crec que la música, el primer que he après és que té un tremendíssim poder, el poder evocador de la música, el poder de connectar-nos, el poder d’arribar a l’altre d’una manera tan directa i tan emocional. La música és vibració i transcendeix tot tipus de barreres culturals, geogràfiques, polítiques, socials. En aquest sentit, es produeix sempre una màgia en el moment en què un toca, pots arribar a comunicar alguna cosa des d’un altre lloc, des d’un lloc molt emocional i molt abstracte, i al seu torn també permet connectar amb altres persones que també són músics. I potser no comparteixes el mateix llenguatge o culturalment és algú totalment distant a tu, a la teva realitat, però connectes d’una manera directa, et poses a tocar o a cantar i hi ha aquí un llenguatge, una màgia, que comença a brotar i que és meravellosa.

Penso que, viatjant, encara que moltes vegades ens costa sortir del nostre món conegut, cosa que fins a cert punt és raonable perquè el nostre cervell ens protegeix i ens adverteix sobre els perills, sobre pors i ens fa reproduir i estar en el que ja coneixem. Penso que quan superes aquesta barrera i fas un pas, tens la valentia d’anar cap endavant, fent una cosa que et costa, en principi, s’obre un món, un món de possibilitats, de riqueses, un món de noves visions. Penso que el que viatja, automàticament s’enriqueix, i és una cosa que recomano sempre moltíssim, viatjar. I també et fa ser més humil. Primer, perquè crec que quan un viatja s’aprecia més el que té. De seguida poses en valor el que tu tens i et dones compte de com n’ets de privilegiat. Això per començar. Després, penso que quan viatges també et poses a la pell de l’altre i veus altres realitats, veus altres punts de vista, altres formes de fer, de resoldre els mateixos problemes i t’adones que la teva forma de fer les coses és una de les tantes possibles. No és ni millor, ni més vàlida, ni més important, hi ha moltes maneres d’arribar al mateix, hi ha moltes solucions possibles, moltes tècniques i moltes teories, moltes interpretacions de la realitat. I penso que en mirar i contrastar-ne d’altres, automàticament t’obres, t’enriqueixes i d’alguna manera et fas també més respectuós amb la resta.

Gràcies a la música, una de les coses que també he descobert i après és que finalment tots, totes les persones més enllà de la seva cultura, més enllà del seu país, de les seves tradicions, busquem i necessitem el mateix en la vida. La música t’ho ensenya clarament, perquè al final aquestes inquietuds són comuns i jo penso que tots, al cap i a la fi, estem buscant el mateix. Necessitem resoldre les mateixes qüestions materials, però també espirituals. Necessitem respondre qüestions que tenen a veure amb el sentit de la vida, amb qui som. Tots estem en aquesta recerca de respostes. Més enllà de, com dic, dels nostres condicionaments geogràfics i culturals.

Amaia Pérez. Ana, la teva música és una invitació a estendre ponts entre cultures. És com una mena de crida d’atenció a la tolerància entre allò que és diferent. Creus que ens cal alguna cosa més d’això al món en què vivim?

Ana Alcaide. Sí, clarament sí. La tolerància té molt a veure, per mi, amb el permís que ens donem cada un de nosaltres per ser qui volem ser, per fer les coses que ens agraden, per donar-nos l’espai d’expressar el que necessitem expressar. Quan som tolerants amb nosaltres mateixos i ens facilitem i ens autocuidem, és molt més fàcil ser-ho amb els altres. Llavors, penso que tota la tolerància ha de començar per una mirada interior, per una escolta interior d’això, que cada un es pugui proporcionar, fins al punt que pugui, el que necessita. Quan tens aquesta mirada cap a tu, la pots tenir cap als altres. Jo durant els meus viatges he viscut situacions curioses. Sobretot, quan tenen a veure amb temes culturals diferents.

Per exemple, una de les experiències més difícils que he pogut tenir pel que fa a xoc cultural és quan treballava a Indonèsia. He estat gravant allà amb músics i tocant, oferint concerts i, de fet, un dels meus discos està gravat a Bandung, en una illa, a Java, i va ser el fruit de col·laboració de músics locals que toquen músiques tradicionals d’allà, javaneses. I jo recordo que a la feina que fèiem, que era assajar diàriament, per exemple, quedàvem sempre a la tarda, a les sis, set de la tarda, i per defecte ells arribaven tard sempre. O sigui, si tu quedaves a les sis, ells apareixien a les vuit. I a més ho feien sense donar cap explicació i no venien ni amb menys ganes ni amb menys desig, simplement, era una qüestió cultural. Llavors, és clar, tu vas allà amb els teus esquemes i amb: “Això cal fer-ho així i assajarem d’aquesta manera i ho gravarem d’aquesta manera”, i et trobes amb que allò és una cosa totalment fora del teu control i no tens res a fer i has d’assumir i acceptar aquesta cultura que ells tenen i aquesta manera de ser, llavors, no és res personal, no t’ho pots prendre de forma personal, simplement, és així. Llavors a mi, per exemple, al principi, em va costar molt acceptar això i t’adones que al final no passa res. Ells arribaven, no donaven explicacions i es posaven a tocar tan contents.

Tinc també una experiència que recordo amb molt d’impacte i, fins a cert punt, amb tristesa, perquè em va remoure moltíssim, que és quan vaig estar viatjant a l’Iran. A l’Iran no es pot cantar. Les dones no poden cantar en públic. Llavors jo vaig anar amb la meva nyckelharpa, perquè sempre viatjo amb ella i em van convidar per tocar, per tocar en una trobada, en una universitat. No recordo exactament el lloc, era un lloc molt fred, recordo, amb una llum blanca. I recordo que quan em vaig posar a cantar, vaig començar, vaig cantar una cançó i tot seguit, el que estava al meu costat em va tallar i em va dir: “No, no pots seguir cantant, a l’Iran no es pot cantar”. Llavors jo vaig seguir tocant, recordo que vaig seguir tocant perquè havia de tocar i em va produir una sensació d’incredulitat i de sorpresa tan gran que em vaig posar a plorar i vaig començar a plorar. Mai m’havia passat que seguia tocant i em queien les llagrimotes mullant l’instrument i vaig acabar de tocar, però estava totalment en el meu plor, en el meu dolor. I recordo que quan vaig acabar, els meus companys, col·legues que estaven aquí a la reunió, van venir a mi i em van dir: “T’entenem”. Perquè ells entenen que això no és normal, no està bé, és una cosa cultural d’ells, però efectivament genera molt dolor. Però a mi la música també és una forma d’amor, és una forma de, com dèiem, de connexió, d’arribar a l’altre, de trobada. I quan això veus que es talla d’una manera així, tan brutal, doncs és un impacte molt gran.

Amaia Pérez. Bé, ara parlarem d’educació i de música. A l’escola on treballo, trobo que molts pares no saben realment si han de donar als seus fills una formació musical una mica més enllà, amb una certa qualitat. Què creus tu que aporta que els nens aprenguin música i, en concret, que estudiïn un instrument musical?

Ana Alcaide. L’exposició a la música i a tocar instruments, a cantar, és un regal que els pares podem fer als nostres fills. Diria que un dels millors regals que podem fer-los. L’experiència musical hauria de ser, o és, hauria de ser divertida. Hauria de tenir un component d’autoexploració, de joc, de diversió. Moltes vegades els pares pensem en la utilitat d’allò que els donarem als nostres fills, a oferir-los, i pensem. “No té bona oïda, no té ritme. Doncs no vull que es dediqui a la música”. Llavors tot això al final ja ens retira de l’oportunitat d’exposar-los a això. I jo penso que més enllà de tots aquests condicionants pràctics, socials en què vivim, de la utilitat que tinguin les coses, l’experiència musical és una cosa que ens enriqueix per naturalesa, té moltíssims beneficis. Jo soc molt partidària d’animar tothom a que toqui un instrument, perquè un instrument és una manera de connectar amb el teu interior d’una manera emocional, que no pots fer a través de la parla, del pensament, que pots també connectar amb els altres tocant un instrument i que et porta a uns llocs molt més profunds i més humans.

Jo animo tothom, fins i tot als adults, moltes vegades estem plens de condicionants, “ja soc gran, ja no puc començar, no tinc bona oïda, la meva veu és molt lletja”, tot això ens aparta. No ens donem el permís. No cal tocar per a un públic, no cal tocar un instrument, aprendre-ho, per donar concerts. No cal tocar, ni tan sols, per als teus veïns, pots fer-ho per a tu i això ja és una riquesa enorme. A Suècia una de les coses que em van impactar quan vaig estudiar allà és que la gent va als festivals de música amb els seus instruments i van a veure el grup que toca, és clar, però sobretot tocaran i ballaran. I això d’experimentar la música és vital.

És una cosa que crec que hem de canviar en la nostra societat, que sigui una cosa tan elitista, tan produïda i que sigui una mica més naturalitzat, més popular. Cantar, que no ens doni tant pudor. Tenim molt pudor a expressar-nos. Tocar un instrument té molts avantatges o beneficis, diria jo. El primer d’ells jo diria que és ajudar-nos a calmar la nostra ment quan toquem. És una forma de meditació, la nostra ment no està donant-nos informació o no ens està donant guerra, per dir-ho així. Toquem amb el cos, ens connectem amb el nostre cos, tot i que al final desenvolupem la tècnica amb certes extremitats més que altres, però activem tot el cos quan toquem. Tocar un instrument també et connecta amb una lògica abstracta, que és de la que està feta la pròpia música i que ens ordena el pensament d’alguna manera. Tocar un instrument ens fa escoltar, estar en l’escolta, perquè per poder tocar prèviament cal escoltar, cal escoltar-se i cal escoltar el silenci del qual parteix el so i també ens aguditza el nostre sistema auditiu. És a dir, com més toquem, més estem exposats a la música, més sensibles som. Com més exposició tenim a diferents músiques, a diferents timbres, a diferents sonoritats, més rics som i més podem apreciar altres músiques que ens puguin posar davant.

Llavors, al final penso que la música en si i tocar un instrument l’únic que fa és aportar i ajudar a desenvolupar la sensibilitat. Molts nens que, tot i que potser no hagin estudiat música i no han exercit com a músics, tenen aquesta sensibilitat i saben gaudir de la música d’una manera molt més rica, més completa. Tocar un instrument, com deia, també té aquest component d’autoexploració que ens permet connectar el nostre món interior amb el món exterior i ens permet expressar una part de nosaltres, ens permet expressar qui som en aquest moment, ens permet jugar, ens permet crear. Hi ha un component molt important en el fet de tocar un instrument, que és el joc. De fet, en anglès, “tocar” es diu ‘play an instrument’. I just el concepte joc és un element important perquè parla de la creació, de la creació sense límits. Quan tu veus un nen jugant, un nen petit, veus com construeix el seu món sense limitacions, no hi ha barreres, no hi ha parets ni restriccions. Jugar ens permet expressar el que som, permetent-nos en el moment ser el que ha de ser.

En el moment en què ja comença a haver-hi censura, en què comença a haver-hi limitació, en què comença a haver-hi comparació, deixa d’haver-hi joc. I penso que tocar un instrument i que cantar té molt a veure amb el fet de permetre’s, amb el fet de permetre’t a tu mateix certs rols, amb el fet de permetre’t expressar alguna cosa que està dins teu, sense vergonyes, sense embuts, sense obstacles. Crec que a pocs de nosaltres ens han educat per poder fer això d’una manera lliure. Sempre tenim algú amb qui comparar-nos. Sempre tenim un judici extern. Sempre pensem que, per exemple, en el meu cas, jo tenia pànic de sortir a l’escenari tocant el violí. Pensar que desafinaré, que no el tocaré bé, què pensaran els altres, que no ho interpreto d’una manera com hauria de ser. Per mi, la nyckelharpa i per mi aquest camí solitari que vaig emprendre, ha tingut molt a veure amb trencar aquestes cotilles, aquests obstacles amb què he crescut i que és cert que m’han donat una base molt bona a nivell tècnic, com un entrenament del meu cos i amb una sèrie de recursos, però també moltes vegades m’han limitat i m’han generat aquesta sensació d’estar en una gàbia i de no poder expressar-me d’una manera més autèntica, més lliure.

Penso que l’educació musical que tenim avui en dia, de la qual jo vinc, que he estudiat al conservatori, ens dona un sistema que s’ha establert com el vàlid i que efectivament ens dona uns recursos i unes tècniques i ens ofereix un marc estilístic molt bo, però al final no deixa de ser això, un marc estilístic que està basat en un context molt concret de la història, que pot ser la música clàssica i també la música moderna, però del món occidental. És una visió molt reduïda del que pot ser la música en general. I com dèiem abans, no té per què ser la vàlida o la més important, és una de les visions possibles. Llavors està molt bé partir d’aquí, però per al meu gust, sota el meu punt de vista, falta què fer amb això. Dir: “D’acord, moltes gràcies. Tinc aquest marc històric. Em doneu aquestes tècniques, aquests recursos. Però ara què faig jo per expressar-me com jo soc amb això?”. És a dir, aquesta és l’arrel, però des d’aquí hauria de brollar la flor que som cada un de nosaltres, utilitzar tot això al nostre favor i que també en l’ensenyament es contempli com fer-ho. Perquè moltes vegades estem perduts i molts de nosaltres hem hagut d’emprendre camins molt insòlits i molt aventurers per poder arribar a trencar amb tot això i poder tornar a renéixer des d’un altre lloc. Penso que l’educació hauria d’estar contemplada, és aquesta forma de madurar el coneixement, de portar-lo a un punt personal, d’utilitzar-lo al nostre favor per expressar el que realment som, i cada persona té una manera de ser, cada persona té un discurs, té un missatge, té una veu. Aquesta veu volem escoltar-la. Aquesta és la idea.

Amaia Pérez. Em parles de l’educació que vas tenir al conservatori, però a mi m’agradaria preguntar-te quina opinió tens de la formació musical que es dona a les escoles a Espanya.

Ana Alcaide. Desconec amb detall com és la formació actual de música. El que sí que sé és que és escassa pel que fa a hores i està, si més no la que jo vaig rebre, està enfocada a intentar arribar a la música des d’un lloc que per a mi no és diversió. Jo, per exemple, vaig tocar la flauta dolça. Recordo que, en el meu cas, com que ja sabia música, doncs em resultava més fàcil i totes em deien: “És clar, com tu estudies música”, i no era divertit perquè també era com molt traumàtic, perquè hi ha nens que no poden tocar la flauta bé, no afinen, no els arriben els dits o tenen una flauta que sona X i que no els dona aquesta sensació de poder-ho fer bé. Llavors genera molt trauma i tot això penso que no és un enfocament, és a dir, no dic que sigui dolent, simplement que hi hauria d’haver enfocaments alternatius i complementaris. Per exemple, una cosa que a mi em semblaria una cosa que podria aportar és tot el que té a veure amb apreciació musical, és a dir, amb escoltar música i que sigui la professora la que obri les oïdes dels nens i els expliqui anècdotes. Hi ha tantes cançons, hi ha tanta música, hi ha tanta bellesa al voltant de la música que poder compartir i de poder plantar aquesta llavor d’interès que pots explicar moltes anècdotes de les cançons, fins i tot de rock o de la música clàssica. És fascinant tot aquest món. Llavors penso que hauria de ser més lúdica l’experiència en general, més divertida, més personal. Llavors, cenyir-la a alguna cosa que sigui purament interpretativa, frustrant, no crec que sigui la millor manera d’iniciar, perquè, com dic, genera trauma i genera una visió de la música i un rebuig.

Amaia Pérez. També et volia preguntar sobre la teva faceta autodidacta i sabem que has après a tocar la nyckelharpa de manera autodidacta. I volia preguntar-te què t’ha aportat ser autodidacta i com realment ho has fet.

Ana Alcaide. Quan la gent em pregunta si és molt difícil tocar la nyckelharpa, sempre dic el mateix. Dic que el més difícil de tocar la nyckelharpa no és la part tècnica. Tots els instruments tenen una complexitat i tenen unes dificultats que resoldre, però potser el més difícil de tocar la nyckelharpa és fer-ho en un entorn en què no tens companys amb qui tocar, no tens professors, no tens escola. És cert que avui en dia, amb les noves tecnologies, l’ensenyament està molt més a l’abast de la mà, però tot i així la dificultat de tocar la nyckelharpa és fer-la en un entorn, com dic, de distància respecte la font. En el meu cas m’ha ajudat, fins a cert punt, estar lluny, perquè precisament no he tingut aquesta cotilla d’expectatives de com ho he de fer. És com si la distància et donés certa llibertat a l’hora d’interpretar les coses. Llavors això ha jugat al meu favor. Jo reconec que haver estat a Espanya, si bé he tingut aquest contacte amb Suècia i després he tornat a Suècia a estudiar, m’ha donat molt de relaxament al meu enfocament i m’ha donat molta llibertat i molta personalitat a l’hora de fer-ho.

Jo diria que emprendre un camí en solitari, no només com a autodidacta, sinó com a emprenedor, exigeix un caràcter, fins a cert punt, de valentia, perquè has de bregar amb la incertesa constantment i has de donar-te tu mateix les teves pròpies respostes. Has d’aprendre a confiar en el teu instint, has de deixar-te portar per la teva intuïció, has de respondre a les teves preguntes tot i saber que t’equivocaràs, has d’assumir l’error com a part del camí, cosa que moltes vegades ens fa pànic i no passa res, assumir que en els camins també hi ha pedres de les quals n’aprendrem i que ens faran ser el que som avui dia. Estem molt acostumats a tenir l’aprovació externa. Tots estem acostumats que hi hagi un sistema que ens avaluï, des que som petits tenim notes a l’escola, ens fan exàmens. Existeix també una consciència social sobre com haurien de fer-se les coses. Hi ha uns valors a nivell col·lectiu i quan ets autodidacta, bàsicament t’has de despullar de tota aquesta necessitat d’aprovació per poder fer les coses per tu mateix i no estar depenent d’aquesta mirada externa.

Jo crec que és un camí per a persones que tinguin aquest esperit, fins a cert punt de valentia i de força, ens cal coratge per ser emprenedors i per ser autodidactes en aquesta societat.

Amaia Pérez. Ana, la nyckelharpa ens has comentat que és un instrument antic suec i tu reivindiques el valor de les músiques ancestrals. Creus que és important conèixer i difondre la música antiga i què és el que això ens aporta?

Ana Alcaide. Les músiques tradicionals, les músiques d’arrel, ens porten, ens recorden el que som. Són el llegat que rebem, són l’herència dels nostres avantpassats. I ens ajuden a entendre d’on venim. A les melodies, en els cants, en les històries, en les llegendes, en els mites, es reflecteix clarament com són les creences, com són els valors dels avantpassats. Ens ajuda a conèixer-nos, bàsicament, quan mirem al nostre passat ens podem reconèixer com una continuació d’allò d’on venim. I considero que és just el punt de partida des del qual hem de començar a construir. No podem créixer si no tenim arrel. És una cosa semblant. Llavors penso que és important respectar aquestes músiques i mirar-les amb afecte, encara que després no t’identifiquis amb elles, amb els seus missatges o amb el seu estil. De vegades tenim cert rebuig cap a tot això perquè ens recorda alguna cosa que no volem ser.

Volem partir des d’un altre lloc i renéixer. I està clar que tenim tot el dret de reinventar-nos i de construir alguna cosa totalment nova. Però com deia, penso que és un recordatori important des del qual començar. A mi una cosa que m’agrada molt sobre les músiques d’arrel, i és que es fan, o es construeixen, des d’un lloc molt diferent al qual es construeix la música escrita, o la música culta, o la música més aviat per a un propòsit recreatiu. La música d’arrel parteix sempre d’una necessitat social, d’una necessitat de poble i es fa des d’un lloc de complir una funció, té una utilitat, té un ús concret. Llavors, quan tu cantes una cançó de bressol al teu fill, quan la canta la teva veïna, no està pensant en si està desafinant o si li agafa alt, o si li agafa baix, el que vol és dormir el seu fill, llavors aquest és el sentit que tenen les músiques d’arrel. I a mi m’agrada perquè precisament ens parla molt de les necessitats d’un poble, de les coses que són importants. Llavors penso que és un punt de partida necessari i per descomptat que ho reivindico com a part del nostre patrimoni que hem de defensar. És com fer un homenatge als nostres avantpassats, rebre aquest llegat i fer-ho des de l’afecte i des del respecte.

Amaia Pérez. En un dels teus discos parles sobre històries i llegendes de dones de la mitologia. Quin personatge destacaries de tots ells i quines característiques tenen aquestes dones?

Ana Alcaide. Les llegendes de dones a mi m’han ensenyat molt perquè en elles he vist reflectida, com deia, moltes històries, molta saviesa. Les llegendes, jo això sempre ho dic en els meus concerts, el que fan és que recullen i ens porten una saviesa ancestral que ha romàs de boca en boca, que s’ha mantingut en la tradició oral perquè té alguna cosa a explicar-nos, perquè té un ensenyament que és vigent, perquè té alguna cosa que és actual, per això s’ha recordat. És una cosa que funciona per selecció natural. Les melodies que es recorden per tradició oral popular són aquelles que ens arriben i que ens transmeten alguna cosa que és necessari de ser recordat. Antigament, no existien llibres i aquesta era la manera de narrar. Aquesta era la manera d’ensenyar a través dels romanços que explicaven històries. I normalment per això aquestes llegendes, aquestes històries, no tenen a vegades finals feliços. Són històries pesades, moltes vegades dramàtiques, perquè precisament amaguen un ensenyament, un advertiment, un perill. Les històries felices amb finals bonics no cal recordar-les perquè realment, bé, aquí queden per al bé de qui les viu, però no tenen aquest caràcter d’advertència, d’ensenyament, com puguin tenir aquestes llegendes que recordem.

Durant la meva investigació respecte aquestes llegendes, una de les coses que més m’ha cridat l’atenció és com, segons la zona geogràfica on jo anava mirant, canviava molt la quantitat de llegendes i l’estil i el tractament que es feia respecte aquestes figures mitològiques. Per exemple, et poso el cas del País Basc, que és una zona on hi ha moltíssima vegetació, molts boscos. Penso que aquí hi ha una quantitat de llegendes increïble. Hi ha moltíssimes històries, en cada bosc, hi ha com diverses anècdotes que es recorden. I penso que finalment el que es busca amb aquestes històries és respondre als misteris, respondre a les preguntes, a les inquietuds de l’ésser humà. Llavors moltes vegades té a veure amb la geografia. Per exemple, a Castella la Manxa, que és on jo visc, doncs no n’hi ha molta, no hi ha molt misteri, és una terra plana, i està clar que hi ha històries i llegendes, però no tenen la mateixa envergadura que puguin tenir les llegendes, per exemple, del nord, amb boscos, muntanyes. És curiós. I també és curiós el tractament que es fa respecte aquestes figures mitològiques, per exemple, al País Basc hi ha la deessa Mari i és una deessa i una dona que és una deessa i que és venerada com a tal. De fet, Mari és un nom que s’utilitza aquí molt i en altres llocs no hi ha deesses, les dones de llegenda són, a vegades, dones una mica busca-raons o que ens porten a camins foscos, que ens enganyen o que tenen atributs més negatius. És curiós. Jo en aquest treball, investigant aquestes llegendes, també m’he donat el permís d’adoptar aquests rols de les diferents protagonistes i treure aquesta veu, poder cridar com una ondina o poder enfadar-me o poder ser suau, dolç, he explorat, tots aquests registres.

Amaia Pérez. En una entrevista també ens parles sobre la dualitat del femení. Quin paper creus tu que té la dona en el món?

Ana Alcaide. Per mi aquest treball, ‘Llegenda’, ha tingut molt a veure amb el fet d’explorar-me a mi mateixa en la meva condició de dona. I com deia, ho he fet a través de la música, a través de les llegendes, que és un material en el qual em sento còmoda. Tot va començar perquè jo penso que, com a dona, jo he rebut una educació, he rebut una educació religiosa, jo he anat a un col·legi de monges i he rebut una educació en la que m’han, per dir-ho així, potenciat el costat lluminós del meu ésser. Com a dona, jo he de fer certes coses o no he de dir altres que penso, he de mostrar certs trets del meu caràcter. I a mesura que he anat creixent i que he tingut més curiositat, hi havia alguna cosa que no em quadrava. Dic: “Anem a veure què passa amb això. La naturalesa de les dones no és així”. Llavors, gràcies a les llegendes he explorat, he bussejat en el costat fosc, que jo dic, és el costat que tots tenim dins d’homes i dones.

Tots tenim costats o aspectes més foscos de la nostra personalitat i aspectes més lluminosos. La pròpia naturalesa femenina, és cíclica, és cíclica la nostra naturalesa humana en general, però en el cas de les dones és clarament cíclica per la nostra biologia. I tot això m’ha fet entendre millor i m’ha fet acceptar-me millor. Penso que és un pas necessari que ens acceptem tal com som, amb les nostres llums i les nostres ombres, perquè després puguem acceptar els altres. Penso que la lluita que s’està iniciant avui en dia de reivindicació, de valors, de mirades, té molt a veure amb el reconeixement propi. Jo, per mi, és el primer pas que ha de donar-se abans de seguir donant passos cap endavant, cal acceptar-se, cal acceptar que som així i que la nostra naturalesa és dual i que no passa res. Som cícliques. Penso que és una llei de l’univers, la llei dels cicles i conciliar-se amb aquest costat és positiu i ens ha de deixar de donar tanta vergonya parlar de certes coses. Hem de posar sobre la taula moltes coses. Llavors, per mi, tot té a veure amb l’autoexploració personal i l’autoreconeixement d’aquest costat fosc. Llavors, com deia, aquestes llegendes m’han ajudat a connectar amb alguns personatges foscos que han triat camins horribles o difícils i que han estat inspiradores també per a mi.

Amaia Pérez. Bé, ets mare, Ana, i acabes de tenir un fill fa poc. Enhorabona.

Ana Alcaide. Gràcies.

Amaia Pérez. Dins d’aquesta perspectiva, com creus tu que ho estem fent els pares cap als nostres fills? I quin creus que és el seu futur? I si ho estem fent bé, si estem aportant alguna cosa.

Ana Alcaide. Jo penso que sempre ho fem el millor que podem. Ho estem fent bé. Vivim d’una manera molt diferent a com ens han educat, a com van viure els nostres pares. El fet que tu i jo estiguem avui assegudes aquí parlant és una cosa que potser les nostres mares no podrien haver imaginat i que potser les nostres filles, per a elles sigui una cosa natural que passi. Això mostra com ho estem fent bé, estem avançant molt ràpid. A mi m’agradaria que els meus fills visquessin en un món en què les persones poguéssim ser més, cadascuna, expressar-nos com som.

Venir a fer aquí el que hem de fer sense por, perquè nosaltres realment als nostres fills els podem ensenyar a través del nostre exemple. Una de les coses més importants de l’educació és entendre que per molt que els diguis als teus fills com has de fer les coses o com t’agradaria, si tu no estàs exercint com a tal, si tu no ets un exemple per a ells, ells no ho faran. Això és un repte increïble. Jo penso que, per mi, com a mare, és el més gran dels reptes als quals m’enfronto dia a dia i penso que hem de ser molt conscients d’això, que a mesura que nosaltres siguem com volem ser i ens expressem, així els nostres fills ho rebran. Llavors tenim aquest compromís, aquesta responsabilitat. És una responsabilitat. I també hem de tenir en compte que el món que volem que els nostres fills visquin és el món que estem creant a dia d’avui. Som aquí, som part de la terra. Llavors, quan parlem de cuidar l’entorn, de tenir cura del medi ambient, de protegir tot el que hem de protegir al món, hem de començar per nosaltres mateixos. Nosaltres som part de la terra, som medi ambient. Cal començar per un mateix. No cal esperar que l’extern canviï. Aquesta és una lliçó per mi fonamental. Si volem veure un canvi, l’hem de iniciar nosaltres cada un en el seu ésser. Des d’aquí es pot començar a canviar.

Amaia Pérez. Respecte aquest tema que estem parlant, sobre si ho estem fent bé amb l’educació dels nostres fills, creus que hauríem de fer més èmfasi en relació a l’autoexploració i a l’autoconeixement?

Ana Alcaide. Crec que l’educació hauria de contemplar, sens dubte, l’autoconeixement, l’educació emocional hauria de ser una de les assignatures bàsiques del nostre sistema educatiu, implantant aquesta educació emocional, ens estalviaríem moltíssimes històries que portem a l’edat adulta. L’autoconeixement és fonamental. A més, està molt connectat amb el que estem parlant de la llibertat, de la creativitat, de la tolerància. Quan tenim contacte amb nosaltres mateixos, som capaços de tenir contacte amb els altres des d’un lloc autèntic. Ens escoltem, ens donem permís i aquí el podem donar als altres. Penso que, per tenir una societat més humana, aquest autoconeixement ha d’incloure, és clar. Aquí, al fil del que parlàvem de ser pare, també implica aquest autoconeixement, aquesta responsabilitat de mirar les teves ferides, ocupar-te d’elles i des d’aquí, poder ajudar als teus fills.

Amaia Pérez. També ets directora del Festival de Músiques del Món de Toledo i jo volia preguntar-te quina opinió tens sobre el valor i el paper de la cultura.

Ana Alcaide. La cultura és el salvavides d’una societat. És l’aliment del nostre esperit, de la nostra ànima. Sense cultura no tenim arrel. La cultura és el que ens dona totes les respostes, el que ens dona el sentit, el que ens fa pertànyer. Si desposseïm de la cultura a una societat, a una persona, la despullem i la deixem pràcticament sent un autòmat, sent un animal, sent algú que no exerceix la seva qualitat humana, per dir-ho. Per mi, l’exposició a la cultura és fonamental, perquè gràcies a ella aprenem i adoptem diferents punts de vista. Aprenem a posar-nos en la pell de l’altre. Aprenem que hi ha moltes respostes davant la mateixa pregunta. Aprenem a respectar, aprenem que la nostra visió no és l’única. Aprenem a tolerar, aprenem a deixar espai.

Al final, tenir exposició a diferents mirades, a diferents interpretacions, és com saber gaudir de gastronomies del món, per exemple, com més menjar menges d’altres països i més t’exposes a nous aliments, a nous sabors, més gaudiràs d’aquesta experiència i també estaràs obert a d’altres noves que et puguin venir. Pot ser que hi hagi algunes que no t’agradin. Pot ser que tu tinguis les teves preferències. Està clar que tots les tenim. Està clar que tots tenim les nostres inspiracions, els nostres gustos. Però el fet d’estar exposat a això, tot i saber que al principi pot ser una mica difícil fer aquest pas, com deia, d’apropar-te al desconegut, quan el cos et demana quedar-te en allò conegut, en les teves creences, en el teu àmbit quotidià, se’ns obre un món. Per això jo, en aquest cas, com a directora del festival, m’agrada exposar el públic a aquestes noves experiències. Sempre portem grups internacionals, d’altres parts del món. I és precisament això, el fet de plantar la llavor de poder gaudir d’altres coses que aparentment són com rares, desconegudes, estranyes. Penso que hem de superar aquests prejudicis per poder-nos obrir.

Amaia Pérez. Quan parlem de música i d’art, també parlem moltes vegades del poder transformador que té. Tu creus en aquest poder?

Ana Alcaide. Crec absolutament en el poder transformador de la música. La música és vibració. La música, com deia, té aquest poder d’arribar directament a l’emoció. Ens pot canviar l’estat d’ànim d’una manera dràstica d’un moment a l’altre. Ens pot calmar, ens pot alegrar. Els antics ja ho sabien i en l’antiguitat la música era una disciplina que s’estudiava amb la filosofia, amb l’astronomia, amb la física. Els matemàtics tenien interès en la música, perquè parlar de música és parlar del fenomen vibratori i de com dos cossos que estan vibrant en freqüències diferents es poden igualar. Quan una freqüència arriba a l’altra, se sintonitzen.

Aquest poder el podem veure a nivell quotidià en moltes coses que fem des que posem la ràdio i ens alegra la cançó que escoltem, fins quan anem a un concert i podem sentir aquesta energia que es produeix a nivell col·lectiu tan potent. Són experiències molt fortes. Tots aquells que hem estat en un concert multitudinari podem recordar aquesta sensació de poder absolut després de sortir d’allà, del que ens ha transmès això, i com tots vam vibrar a la mateixa freqüència, això és meravellós. Aquest poder és increïble.

En aquest sentit, la música ja té un poder grandíssim. La música és emoció i, igual que en altres disciplines artístiques, ens pot tocar d’una manera directa, d’una manera que no podem transformar-nos com pot ser a través d’una idea o d’un discurs mental. Tu pots escoltar alguna cosa a la tele que et pot convèncer, o pots escoltar algú parlar d’alguna cosa, però si tu llegeixes una poesia o escoltes una cançó i hi ha una frase que et toca, la forma en què ho fa és diferent, perquè ho fa a través d’aquesta emoció.

I hi ha alguna cosa dins teu que s’obre de forma diferent a com ho faries veient-ho a la tele o escoltant-ho en boca d’una altra persona. L’emoció ens mou el cos i ens produeix una alteració dels nostres sentits i ens fa estar oberts. Llavors, tots els missatges que aprenem a través de l’emoció ens arriben des d’un lloc molt més directe. La música té aquest poder perquè ens pot tocar i ens pot canviar a nivell humà d’una manera que moltes altres coses no poden fer-ho. Finalment, penso que la música ens transforma perquè ens convida a l’autoconeixement, ens fa connectar amb una part de nosaltres que no coneixem, potser, en la nostra vida quotidiana. I penso que per això és important mantenir la cultura com una cosa essencial en la nostra societat.

La música ens pot transformar. L’art ens pot transformar. Ens fa connectar amb una part de nosaltres a la qual no podem accedir mitjançant el nostre dia a dia, el nostre discurs mental, ens fa expandir la nostra visió. Ens fa ser més tolerants amb nosaltres mateixos, ens fa conèixer-nos i connectar-nos i finalment ens ajuda a expressar molt millor la nostra humanitat.

Amaia Pérez. Bé, Ana, moltíssimes gràcies per aquesta estoneta tan inspiradora. Crec que avui en dia ens fan falta tenir moltes converses d’aquest tipus i res, volíem acabar demanant-te que, si us plau, si poguessis tocar alguna de les teves peces en què poguessis englobar tot això del que hem parlat avui o alguna que et vingui de gust a tu per tancar aquesta entrevista.

Ana Alcaide. Moltíssimes gràcies. Tocaré un trosset d’una melodia tradicional a un ritme bastant curiós. En el meu últim disc vaig triar, com deia, les històries i les llegendes de dones que jo defineixo com rares o valentes que han emprès actes d’amor fora del comú, actes que les han portat a transcendir les seves pròpies limitacions. I són dones, com deia, certament rares. Hi ha una d’elles que és la lamia de Kobate i hi ha un tema que he fet per a ella i l’enllaçaré amb una de les melodies semblants que conté aquesta cançó.

Amaia Pérez. Gràcies.